Cuadernos de Rodaje

¿Qué fue de Jorge Sanz? (2011)

2011-07-25T01:06:00.005+02:00

¿Qué fue de Jorge Sanz? No, no es una pregunta, es el título de la serie creada por David Trueba y el mismo Jorge Sanz para Canal+ que se estrenó hace unos meses y que acaba de editarse en DVD. Un título sugerente porque, en los últimos años, ¿quién no se ha preguntado dónde se esconde aquel omnipresente actor de los años 90?

El material de partida ya es interesante: una serie que retrata qué hay después del auge y la caída de una carrera meteórica y veloz en el mundo del cine (español). Qué ocurre con los que un día fueron galanes pero terminaron por ajarse, tal vez, demasiado temprano. Muchos de ellos terminan pululando entre producciones mediocres y otros caen directamente en el olvido. Son olvidados por el público y por la propia industria. ¿Qué ha ocurrido, concretamente, con Jorge Sanz?

No, no es un documental, es una ficción y Jorge Sanz interpreta un rol. Un rol que, precisamente, es el del propio Jorge Sanz, pero no significa que todo lo que veamos sea real. Con un estilo que baila entre la ficción y el documental, la serie cuenta las idas y venidas del actor en medio de una vida profesional inexistente y una personal poco gratificante. Sorprende la veracidad con que está retratada, aunque es evidente que hay mucho de ficción en esta aparente realidad. No obstante, muchas de las cosas que se retratan (desde el video que pululó por youtube del actor borracho en una discoteca jienense hasta las colaboraciones de distintos actores interpretándose a ellos mismos) esconden tras de sí una verdad y nos hacen pensar que dentro de esa ficción, también se encuentra una realidad.

Pero lo que tiene de valioso esta serie es su nacionalidad. Es la primera vez en España que desde la ficción catódica son capaces de reirse de ellos mismos, de hacer autoparodia y autocrítica en torno al cine y el audiovisual español. Es algo necesario, que hacía mucha falta. El hecho de que sea Sanz el actor y no otro dota al producto de un sentido completamente distinto. El actor cumple con todos los puntos del clásico actor venido a menos: un comienzo precoz, un rápido ascenso, una presencia en los títulos más importantes de una época, un atractivo físico y... un escaso nivel dramático, una rápida caída, una presencia en títulos mediocres, un cambio de físico y, prácticamente, una caída en el olvido. Si no fuese Jorge Sanz y estuviésemos frente a Juanjo Puigcorbé o Gabino Diego, por ejemplo, no podríamos llevar la serie en la misma dirección en que el tándem Trueba-Sanz la llevan. Sanz tiene el suficiente sentido del humor como para reirse de sí mismo y consigo mismo, dejándose en evidencia en numerosas ocasiones, reconociendo su dudoso talento como actor, revelando algunos secretos o rencillas de los entresijos del cine, sacando a la palestra su condición de mujeriego y hablando sin pelos en la lengua de las peores películas en las que ha estado. Y, lo mejor de todo, está mejor que nunca. La interpretación de Sanz haciendo de Sanz es, con toda probabilidad, la mejor de su carrera. Ha sabido sacar provecho, con inteligencia, a su supuesto declive profesional.

Es una pena que donde yo he visto todo esto, muchos hayan entendido una especie de publirreportaje en el que el actor utiliza sus últimos cartuchos para venderse. En mi opinión, ¿Qué fue de Jorge Sanz? es una de las mejores y más inteligentes series que la ficción televisiva española ha dado en años. Lástima que solo dure seis capítulos. Cuando acaba necesitas más Sanz. Se le coge cariño.

Cars 2 (John Lasseter, 2011)

2011-07-21T21:40:00.003+02:00

Desde hace unos años Disney-Pixar ha convertido en un ritual el acercamiento en masa hasta las salas de cine en los calurosos meses de verano para poder disfrutar del último de sus vástagos. Tras el arrollador éxito de la tercera parte de Toy Story, han probado suerte con Cars 2 y ya anuncian para el verano que viene una secuela (precuela, según he leído) de Monstruos S.A.

Parece que a la compañía se le agotan las ideas después de estrenar un buen puñado de obras maestras en los últimos años (Buscando a Nemo, Monstruos S.A., Ratatouille, Wall-E, Up!) y tiene que echar mano de sus grandes éxitos para poder sacar nuevos productos. Y es que, aunque la jugada de Toy Story 3 la superó con muy buena nota (yo también la incluiría dentro de esa lista de obras maestras), en Cars 2 deja de lado lo mejor de sí y nos ofrece un espectáculo que, si bien es entretenido, no logra siquiera acercarse al nivel que nos tiene acostumbrados.

Seamos francos. El material de partida, el universo Cars, ya no era de primera clase y si su predecesora ya era un tanto sosa y menos ingeniosa de lo habitual, Cars 2 peca exactamente de lo mismo. No hay que olvidar que, además, algunos de sus personajes (sobre todo Mate) ya han sido explotados en una larga serie de insulsos cortometrajes. Pero, cuando parecía que el fruto no podía dar más de sí, Pixar obra con inteligencia y salva la película del desastre presentándose más como un spin-off que no como una secuela propiamente dicha.

El poco carismático Rayo McQueen cede su protagonismo al descerebrado Mate (demasiado Mate, para mi gusto) y a una serie de nuevos personajes mucho más interesantes que los originales y logran elevar esta poco prometedora segunda parte hasta el nivel de entretenida. Poco hubiese importado si en vez de ver los ya conocidos cars transmutados en agentes secretos hubiesen creado nuevos personajes para narrar esta animada acción a lo James Bond. De hecho, Pixar consigue incluso que Cars 2 funcione como película de la saga 007 mejor que algunas de las películas oficiales de la propia saga (mejor que cualquiera de las de Pierce Brosnan, sin lugar a dudas ).

Pixar no llega a decepcionar pero rompe el ritmo al que nos tenía acostumbrados. No lo tomaremos en serio si siguen entreteniéndonos y dándonos esas joyas que nos han venido dando año tras año. Waiting for the next.

Relato de un campusero

2011-07-20T15:32:00.008+02:00

La semana pasada estuve en la 15a edición de la Campus Party en España en una doble faceta bien diferenciada, la de campusero y la de colaborador, pero en esta crónica trataré de retratar mi vivencia desde el primero de esos dos puntos de vista.

Hay al menos tres cosas que, a primer golpe, llaman la atención del evento. La primera es que no es ni Campus (no tiene nada que ver con la universidad, un hecho que deberían contemplar) ni Party (bueno, tal vez es la peculiar 'party' de unos cuantos), pero no deja de ser una cosa meramente anecdótica.

En segundo lugar, la organización se empeña en difundir el evento como algo más allá de un espacio donde interconectar ordenadores a velocidades insospechadas para jugar y descargar a 'quiensabecuántos' megas por segundo. Los medios parecen no querer ayudarla. Sin embargo, la programación, toda ella relacionada con la tecnología y la innovación, se presenta dividida por espacios y, además de ser exquisita, demuestra que su intención es, precisamente, llevar más alla el concepto de Campus Party, desligarlo de esa definición que los medios y el público, más o menos general, dan de ella.

El problema (re)aparece cuando te das cuenta de que el hastag tuitero que lanzó la propia Campus no llega a trending topic y que las diferentes conferencias son interrumpidas una y otra vez por aplausos o gritos de guerra de unos campuseros que, sin despegar la vista del Counter Strike o sucedáneos, van a su bola. Parece que en el fondo, para muchos, sigue siendo solo eso.

Y en tercer y último lugar, sorprende cómo un evento de tal magnitud y reconocimiento internacional navega tan a la deriva, sin una jerarquía clara de organización en la que los bienintencionados voluntarios ayudan como buenamente pueden en medio de una escasez de información (falta orden, faltan indicaciones por todas partes) tan preocupante. Mención aparte merece la sensación de inseguridad en un lugar donde no hay taquillas y pretenden tranquilizar al campusero mediante constantes controles, a veces cada diez o veinte metros, en los que debes enseñar una y otra vez la mochila o el portátil debidamente etiquetado con tu DNI.

Incidentes de este tipo aparte, como ya he avanzado, las conferencias fueron variopintas, para todos los gustos y, muchas de ellas, reseñables. Habiéndome perdido por motivos laborales algunas de las gordas, como las de Kevin Mitnick (el hacker que no se deja grabar), Pau Garcia-Milà o Ferran Adrià, cabe destacar, sobre todas las cosas, la impartida por David Bravo en torno a la propiedad intelectual. El abogado sevillano, especialista en el tema y figura de actualidad debido a los acontecimientos que nos acompañan en los últimos meses, hizo fácil un tema que no lo es. Expuso con enorme claridad los problemas y vacíos legales en torno a los derechos de autor y dio respuesta a todas las preguntas polémicas que, atendiendo a los medios, parecen no tener respuesta. Lejos de dar un discurso pedante o aburrido, trató temas legales con dotes de gran orador, calculando los tempos e introduciendo anécdotas o comentarios jocosos que harían temblar a muchos de los pseudomonologuistas que aparecen por televisión.

Gianluca Fratellini fue otro de los ponentes más simpáticos que se pudieron ver en el espacio de innovación. Animador de personajes y titular en la empresa de VFX Double Negative nos repasó desde su experiencia una concentrada historia de la animación, con especial atención a sus trabajos para Happy Feet (Happy Feet, 2006) o Paul (Paul, 2011), y aportó su punto de vista de creador para indicar las claves de una buena animación y un buen cine de efectos que parece no encontrar el equilibrio entre historia y espectáculo. Desafortunadamente no puedo decir lo mismo de Carlos Schmukler, ponente que siguió a Fratellini en el mismo espacio, que se encargó de aburrir al público con un discurso obvio, elemental y poco preparado en torno a un tema a priori tan jugoso como el sonido cinematográfico.

Interesante, aunque solo eso, también fue la charla sobre internet y derechos humanos que, a tres bandas, ofrecieron Amira Al Hussaini, fuente de información clave en las revueltas árabes; Leila Nachawati, especialista en periodismo humano; y Olmo Gálvez, representante de Democracia real ya. No puedieron destacar mucho más allá del papel primordial que las redes sociales y los portales de videos jugaron en las revueltas árabes y en las acampadas españolas, informando directamente de usuario a usuario sin el filtro manipulador de los medios. Era un tema interesante pero, lamentablemente, se quedo a medias por la falta de tiempo.

Correcta también fue la mesa redonda en torno al contenido para la web 2.0, donde creadores de webseries y productores de grandes cadenas debatían, entre otras cosas, en torno a los problemas de financiación de estos pequeños proyectos. La postura indignada de los primeros frente a la venta constante de humo de los segundos dejó, finalmente, la sensación de que ninguno de los dos bandos quería hacer sangre cuando, un tema tan en boga y tan poco apoyado como el que se trataba, invitaba, al menos, a una discusión acalorada.

Y en medio de tal maremagnum de nombres y sesudos temas de futuro, una de las pequeñas joyas de la Campus la dio, en un espacio escondido y a horas poco apropiadas, José Mª Villalobos, bloggero, cinéfilo y aficionado a los videojuegos. Estableció una interesantísima relación entre los videojuegos y el cine, comparando imágenes de unos y de otros desde sus respectivos orígenes y ofreciendo sutanciosas conclusiones en torno a temas aparentemente tan separados como Mario Bross y Buster Keaton.

Son todos los que están pero no están todos los que son. Es lo que tiene un evento inabarcable como la Campus Party.

Pequeñas mentiras sin importancia [Les petits mouchoirs, 2010]

2011-06-30T21:15:00.005+02:00

Pequeñas mentiras sin importancia [Les petits mouchoirs, 2010], dirigida por el actor y director Guillaume Canet, es una de esas grandes películas de una cinematografía olvidada por nuestras salas de cine. Con gran película quiero decir que en Francia obtubo grandes éxitos de taquilla y de crítica; y con olvidada quiero decir que en España se ha estrenado en diez o doce salas mal contadas. Sin embargo, eso es todo un éxito en un país en el que películas ganadoras en festivales como los de Cannes, Venecia o Berlín no logran estrenarse más que en dos o tres salas (recuerden, por ejemplo, La cinta blanca (Das weisse band) o La clase (Entre les murs), por nombrar solo dos).

A diferencia de (casi) cualquier Palma de Cannes, Pequeñas mentiras... es un film de lo más convencional, pero no por ello es menos valiosa. Se trata de un film sincero sobre las relaciones humanas, bien escrito, bien narrado y bien interpretado. Parece obvio pero hoy en día encontrar esto no es tan fácil en una pantalla de cine. Los personajes son de lo mejor que he visto en mucho tiempo y el guión te lleva, sin imposturas, de las situaciones más tristes a las sutuaciones más divertidas con gran maestría. Es una película francesa poco francesa, carne de remake americano, de fácil traspaso a otra nacionalidad (con el consecuente riesgo de echarla a perder, claro). Es como un Sánchez Areválo galo o un Cesc Gay con un poco más de sentido del humor (todo en términos positivos, que no se me malinterprete). Entonces, ¿por qué no se estrena con más ímpetu en España? ¿Por qué la gente huye del cine europeo, aún cuando la protagonista es una star internacional como Marion Cotillard? ¿Por qué hay quejas cuando films españoles (Celda 211, Balada triste de trompeta, etc.) no son bien tratados por las carteleras extranjeras si aquí se hace lo mismo?

Son preguntas abiertas que dejaré en el aire.

Con todo, la película no es perfecta. Aunque no se hace larga, las más de dos horas y media de duración podrían haber sido fácilmente reducidas. Los momentos videocliperos alargan demasiado algunos pasajes, subrayando sentimientos que no hacía falta volver a contar (un par de momentos están bien, pero seis o siete pueden lastrar el resultado final) y cierto "sobreedulcoramiento", como el de la secuencia final, que corre el riesgo de separar al espectador del realismo indiscutible que se respira a lo largo del metraje.

Una película recomendable que, para los escépticos, se sitúa a medio camino entre el cine francés más "duro" (véase Claire Denis, Bruno Dumont, Laurent Cantet o los supervivientes de la nouvelle vague) y el más "convencional" (Jean-Pierre Jeunet, Jean-Jacques Annaud o, inlcuso, Luc Besson), entrecomillando siempre estos conceptos.

Y aunque no venga mucho a cuento me gustaría recomendar el cómic francés Pequeños eclipses, de Fane y Jim, que me venía una y otra vez a la cabeza mientras visionaba el film.

¡Hasta siempre, Míster Marshall!

2010-11-17T22:48:00.003+01:00

Hace mucho que no escribo. Últimamente me cuesta enlazar más de dos frases con un mínimo de sentido pero no puedo dejar de actualizar para hablar del que para ha sido uno de los mayores genios que ha dado el mundo del cine. Me refiero, como se puede adivinar por el título, a Luis García Berlanga.

Los que me conocen saben que a lo largo de mi trayectoria cinéfila/cinéfaga, Berlanga ha sido uno de los creadores que más me ha fascinado, emocionado, divertido y un sinfín de adjetivos más, todos ellos positivos, que convertirían esta lista en interminable. Desde aquí, mi humilde espacio, me gustaría dar una sincera despedida a uno de mis grandes inspiradores reproduciendo uno de los textos que en su día escribí a modo de conclusión en una de las investigaciones que, a nivel académico, me acercó a la figura del realizador.

"Es evidente que a lo largo de la filmografía de Berlanga hay una evolución, con un punto de inflexión más que evidente en su paso del cine en blanco y negro al color. Los más puretas dicen que en ese paso el verdadero Berlanga murió. Y resulta paradójico, porque tiene un mayor número de películas en color que en blanco y negro, con lo que alguna vez he leído que quizá no es el genio del que todos hablan. Sin embargo, humildemente, creo que tiene verdaderas obras maestras tanto en una etapa como en otra y lo que es más importante, un estilo, una marca, una firma que que se repite en todas y cada una de sus películas. Historias comprometidas, satíricas, esperpénticas y con un toque triste, pesimista que recuerda al mejor neorrealismo italiano. Personajes que representan lo mejor y lo peor de cada casa, de la sociedad del momento, de la lucha de clases. Todo esto, mezclado, batido y servido frío (porque hasta su cine más antiguo sigue siendo actual) es lo que podríamos identificar como su firma, una firma que responde al concepto de berlanguiano.

Es cierto cuando dicen que Berlanga aprendió de otros. Lo emparentan con autores del Neorrealismo y siempre le sacan sabor a los esperpentos de Valle-Inclán. Pero lo que también es cierto es que sobre esos cimientos construyó su propio edificio y en él han acabado viviendo muchos guionistas y directores posteriores de esos que, al finalizar la película, te dejan un regusto berlanguiano.

Los personajes, metidos en disparatadas situaciones y con hilarantes diálogos, siempre han sido la principal baza de sus historias y sus películas, muestra de ello es la utilización hasta la saciedad del plano secuencia en beneficio suyo. Unos personajes que casi siempre eran los mismos que se repetían en cada una de sus películas, adaptando su forma y figura a una realidad del momento.

Se ha visto en su cine panfletos de todos los gustos y colores. Que cada uno saque sus conclusiones en este punto. Él mismo decía, “para los fachas siempre he sido un rojo y para los rojos siempre he sido un facha”. Lo cierto es que sus historias tuvieron problemas con la censura y muchas pudieron no haberse estrenado nunca, lo cual hubiese sido una tragedia. Otras, en cambio, nos sorprenden por su contenido comprometido para una época (censura incluida) ya de por si comprometida."

Gracias, Luis. Gracias a ti el cine español de antaño (e incluso de ahora) se puede ver con distintos ojos y no quedarnos con anticuadas producciones sobre folclóricas y niños cantarines de futuro incierto. Cine de verdad, en mayúsculas, comprometido con la realidad y a la vez entretenido. Un cineasta que por suerte ha sido homenajeado y reconocido, siempre de forma merecida y como él bromeaba “de forma pre-póstuma”; siempre cinéfilo (aunque a él no le gustara que le consideraran como tal), hasta su muerte; y por supuesto, un buen fetichista y amante de las mujeres.

De las tres grandes B del cine español (Buñuel-Berlanga-Bardem) yo me quedo con Berlanga.

¡Hasta siempre, Míster Marshall!

Educación vs. Televisión

2010-09-26T00:39:00.002+02:00

Educación y televisión son dos palabras que a día de hoy parecen contradecirse. Y eso no quiere decir que no haya espacios televisivos en los que la educación está presente. Programas infantiles, sobre todo, con mayor o menor éxito, como Los Lunnis o la enésima revisión de Barrio Sésamo; o los documentales (los libres de sensacionalismo, claro está, no me sirve Crímenes Imperfectos) tienen una clara voluntad educadora.

Sin embargo parece que hay una evidente carencia de contenidos didácticos en una programación cada vez más circense. Su pasado pedagógico para la infancia, con programas como el propio Barrio Sésamo o los conducidos por Gloria Fuertes ya no tienen cabida hoy en día. Pero, no nos equivoquemos, la fórmula de estos espacios es un tanto caduca no sólo para el medio sino para el público consumidor. No creo que ningún niño del siglo XXI pudiera aguantar ni diez minutos de la buena de Gloria Fuertes recitando la tabla de multiplicar.

La posibilidad de inventar un nuevo formato con contenidos educativos en medio de una televisión con tan amplia oferta es impensable. Y, aunque parezca que estoy diciendo una contradicción, los niños de hoy en día, cuando conectan el televisor ya no buscan, sólo alternan Disney Channel con Clan TV y, ahora, también con Boing, tres canales contenedores de series de dibujos animados que parecen querer cubrir parrilla y necesidades más con cantidad que con calidad.

En medio de este apocalipsis educador la solución puede pasar por una educación de raíz, en su base, es decir, desde los centros de formación. El niño que va al colegio aprende matemáticas o naturales a regañadientes y sólo llega a comprender su aplicación en la vida real futura. Algo similar debería comenzar a considerarse con el mundo de la imagen y el audiovisual. Desde que nos levantamos de la cama somos golpeados una y otra vez, de forma insistente, por imágenes: televisión (en todas sus modalidades), fotografías, spots, carteles, anuncios, pancartas, etc. Muchas de estas imágenes no las procesamos pero quedan en nuestro subconsciente. Nos golpean con tanta fuerza que ya somos inmunes al dolor que nos producen. Acudimos a comprar Bio de Danone porque va bien para la flora (¿qué demonios es la flora?) y sólo nos falta poner un plato más en la mesa para Belén Esteban. Quizás si supiésemos leer e interpretar estas señales no seríamos tan vulnerables a ellas. Olvidaríamos la convicción que tenemos sobre la verdad en televisión y todos seríamos un poquito más felices. Es posible que esto no interese a nadie, pero si el problema afecta en capas altas hay que buscar una solución en su base. Aunque, pensándolo bien, es posible que fracasáramos en el intento y la educación en la materia se convirtiera en lo que se llama “una asignatura menor”, como música, que pese ser otra de las cosas que nos golpea de manera intolerable, en los colegios se limitan a ofrecer a los niños una hora de entretenimiento a base de flauta y golpe de tambor. Si es que al final todo es eso: entretenimiento. ¿Estamos condenados?

El cine que queda

2010-08-23T12:53:00.005+02:00

A diferencia del año pasado éste ha sido un verano bastante mediocre en lo que respecta a estrenos cinematográficos. Tan sólo Origen, Toy Story 3 y, tal vez, Los Mercenarios (en serio) se salvan de la quema. El resto de títulos no me han animado a acercarme a las salas (aunque sí que vi el Equipo A y no llegó ni a entretenida) y las películas que me interesaban, como casi siempre, no las he tenido a mi alcance (véase Las vidas posibles de Mr. Nobody, por ejemplo). Pero tras el bochornoso periodo estival llega la resurreción cinematográfica con el arranque del curso escolar o laboral. Voy a repasar y prejuzgar, que me gusta.

Esta misma semana comienza con el estreno de Conocerás al hombre de tus sueños, lo último de Woody Allen, que llega antes de lo habitual y, como es costumbre últimamente, después de su preestreno en un festival (en este caso Cannes) con la crítica dividida.

La misma semana una inapetente nueva versión de Karate Kid con Jackie Chan como Maestro Miyagi y un "subidito" Jaden Smith, hijo de Will Smith, que te invita a alejarte de la sala donde se proyecte el film. A mí no me encontrarán allí.

Lo mismo ocurre con Todo sobre mi desmadre (premio al traductor), lo último de la factoría Apatow que tiene pinta de subproducto bastante garrulo; y Predators, que parece que no va a aportar mucho a la entretenídisma original con el tio Arnold a la cabeza.

El 3 de septiembre llega El aprendiz de brujo. Nicolas Cage haciendo de Mickey Mouse (sí, es una adaptación del mismo relato que inspiró el famoso fragmento de Fantasía) + magia + Bruckheimer. Blockbuster que puede que triunfe pero que a mi me parece una combinación demasiado vomitiva como para arriesgar los 6 euros de entrada al cine. Lo mismo podría decir de Lope, la superproducción española en torno a la vida de Lope de Vega. Un film que fácilmente puede caer en el olvido igual que otros intentos de película biográfica/histórica españolas (véase Miguel y William, por ejemplo); y Submarino, lo último de Thomas Vintenberg, visto en Cinema Jove y seguramente difícil de encontrar en salas aunque, sinceramente, a mi no se si me apetecería ir a verla. Finalmente, lo último del irreverente Kevin Smith, Vaya par de polis (otra traducción con poca gracia), con Bruce Willis a la cabeza y un saco de malas críticas a la espalda. Parece que el genio de Smith está un tanto estancado últimamente.

Las siguientes semanas estrenan el sobrevalorado Achero Mañas -que no dirige desde Noviembre- que presenta Todo lo que tú quieras (10 sep.) un drama familiar que se podrá ver previamente en el Festival de Cine de Toronto. El americano (17 sep), de Anton Corbijn y con George Clooney a la cabeza sobre la que ya dicen que huele a premios y candidaturas a los Oscar, como casi todo lo que estrena últimamente el bueno de Clooney. La revisión del anime Astroboy (24 sep) en 3D (todo en tresdé, venga, aunque sea cutre); Come, reza, ama (24 sep) que es la típica película por y para Julia Roberts, ésta en compañía de Javier Bardem; El gran Vázquez (24 sep), biopic del famoso dibujante de historias español que parece querer ser el American Splendor made in Spain y al que es posible que le falle su protagonista, Santiago Segura, que puede llevar a la gente a querer encontrar en ella una película que no es y a los que no soportan al actor a no acudir a las salas; Greenberg (24 sep), un cambio de registro (acertado, dicen) de Ben Stiller; Buried (1 oct), del español Rodrigo Cortés, del que se puede esperar bastante tras su interesante debut con Concursante y que fue estrenada con enorme éxito en el pasado Sundance. Buried trata de un hombre que es enterrado vivo y tan sólo dispone de 90 minutos antes de que se le agote el oxígeno. Un film de suspense que promete.

Wall Street 2 (1 oct), del antes interesante y ahora venido a menos Oliver Stone llega con críticas mediocres bajo el brazo. Machete (1 oct), la locura máxima de Robert Rodríguez, a petición de los fans a partir del trailer falso de Planet Terror. De ella cabe esperar cualquier cosa. Además dicen las malas lenguas que hay lucha de espadas ente Robert de Niro y Steven Seagal. Di Di Hollywood (15 oct), del inenarrable Bigas Luna parece un producto fuera de lugar, de los que parece que no van a interesar a nadie. En mi opinión el ingenio del director catalán se agoto hace demasiado tiempo. Let me in (22 oct) otro innecesario remake de la estupenda Déjame entrar, que desde aquí la recomiendo muy mucho, más ahora que los vampiros son vegetarianos, metrosexuales y brillan a la luz del sol como un gusiluz. La red social (29 oct) del a veces estupendo y otras tantas sinvergüenza David Fincher cuenta la historia de cómo unos jóvenes "descubrieron la fórmula de la coca-cola" al crear facebook. Los ojos de Julia (29 oct), con Belén Rueda a la cabeza y Guillermo del Toro en la producción está llamada a ser la nueva sensación del creciente terror patrio, aunque su trailer es bastante ambiguo. Chloe, del aclamado Atom Egoyan, remake afrancesado de la francesa -valga la redundancia- Natalie X; la esperanza española de Biutiful (3 dic) de González Iñárritu, con un estupendo elenco encabezado por Javier Bardem (premiado en Cannes) y con Blanca Portillo o Eduard Fernández en el reparto. Uncle Bonmee (3 dic) del tailandés de nombre impronunciable, última Palma de Oro en Cannes, llegará a cuatro salas, como siempre, y no podremos destriparla como seguramente se merece. Balada triste de trompeta (17 dic), otra esperanza española, dirigida por el siempre correcto Álex de la Iglesia de la que espero mucho -espero que no sea demasiado- y que llegará avalada por su preestreno en la sección oficial del Festival de Venecia.

Y todo esto entre otros muchos títulos que me dejo, entre los que seguramente habrá cosas muy interesantes. Espero que el repaso sirva de algo. ¿Qué es lo que más os llama la atención? ¿Cuáles queréis ir a ver y de cuáles queréis huir?

Trilogía de la madurez

2010-07-25T23:47:00.007+02:00

Observando la cartelera es fácil adivinar que con el título de esta entrada hago referencia a la trilogía de Toy Story pero no esperen una crítica o una reseña de la película porque los tiros no van por ahí.

En las últimas semanas, ante el estreno inminente de la tercera parte de las aventuras de Buzz Lightyear, Woody y compañía, las televisiones españolas han aprovechado el tirón, como casi siempre hacen, y han repuesto las dos primeras partes de la trilogía. Y yo las volví a ver. Me apetecía refrescar dos películas con las que en cierto modo he crecido. Andy, el niño al que pertenecen los susodichos juguetes, es casi coetaneo a mi generación. Aunque en la ficción el tiempo no pase de la misma forma que en la realidad de alguna manera yo soy un poco ese Andy. Mientras él, por circunstancias de la vida, se ve obligado a deshacerse de sus juguetes (tranquilos, no es un spoiler, esto sale en el trailer) yo he ido a ver Toy Story 3 y he confirmado lo que venía pensando desde la revisión de sus predecesoras. He madurado.

Y con esto no quiero decir que aquellas me gustaron porque era niño, sino todo lo contrario, ¡ahora me gustan más! Y es que Pixar también tiene un poco de Andy. Toy Story fue como un juego de niños, siendo pionera en aquel lejano 1995 al tratarse de la primera película 100% de animación generada por ordenador. Y también fue la primera de muchas obras maestras. ¡Qué casualidad que sus protagonistas no fuesen otra cosa que juguetes! Ahora, en el año 2010 los mismos que lograron aquella proeza necesitan, con Toy Story 3, necesitan dar un buen final a sus juguetes.

Huelga decir que desde hace un tiempo el estreno anual al que nos acostumbra la productora suele colarse casi directamente en el top ten de películas del año (recuerden Up!, Wall-E o Ratatouille) y esta no va a ser menos. Lo que por aquel entonces parecía la evolución natural de los clásicos Disney se ha convertido en un punto y aparte en la historia del cine. Recordaba las dos primeras partes de la trilogía como quien recuerda los dibujos animados que veía de niño sin darme cuenta que este caso es completamente distinto. No se trata de dos películas de dibujos que pierden su magia con el paso del tiempo sino que mejoran con los años.

Repito: he madurado. Y añado: Pixar también lo ha hecho y, con ellos, el mundo del cine en general. En cierto modo me siento parte de todo esto.

Dicho sea de paso, hay que darse cuenta de lo que es buen cine de animación y no dejarse llevar por ogros verdes, burros charlatanes o ardillas prehístoricas en busca de bellotas que no van más allá de la carcajada efímera. Lo de Pixar, a todos los niveles, es perdurable.

Obras maestras imperfectas

2010-07-19T02:27:00.004+02:00

Hoy he podido disfrutar de Testigo de Cargo (Witness for the prosecution, 1957) de Billy Wilder y, tras pararme a pensar sobre ella, me he dado cuenta de que su guión tiene más agujeros que un queso gruyere. Sin embargo, hay algo en ella que me ha atrapado, me ha fascinado, me ha emocionado y la ha metido instantáneamente en mi lista de películas favoritas.

Después de esto me he parado a reflexionar y me he dado cuenta que todas las grandes obras maestras del cine tienen esos agujeros y sin embargo no pierden su etiqueta.

Al contrario de lo que se podría pensar, defender pese a sus errores a Wells, a Ford, a Wilder, a Hitchcock y a otros tantos no es un acto de esnobismo si no rendirse a la evidencia. Son los verdaderos maestros, los papás del maldito séptimo arte.

¿Qué más dan las inverosimilitudes de Testigo de Cargo? ¿Qué importa el arranque de Ciudadano Kane? ¿Y el testimonio del esmerado personaje de Henry Fonda en Doce hombres sin piedad o algunos giros de Alfred Hitchcock?

En todas y cada una de las películas que he nombrado, y otras tantas que me faltan, se respira verdadero cine. Se respira un aroma del que hoy es muy difícil disfrutar. Su fluidez, sus personajes, sus diálogos, sus interpretaciones, su dirección, su esencia. Son películas con alma. Son películas que pueden llegar a pecar de inocentes pero tienen algo que hoy no se encuentra.

Son películas para románticos, si quieren, ¿pero no es el cine un acto de amor?

Disculpad, me ha salido la vena sensible.

No Cercas, no

2010-07-05T13:46:00.000+02:00

Aunque acostumbro a hablar de cine hoy la cosa va de libros.

Hace ya unos cuantos años cayó en mis manos un ejemplar de Soldados de Salamina, de Javier Cercas, novela halagada casi unánimemente por críticos literarios y por gran parte de sus lectores. Cuando yo me acerqué a ella ya se había estrenado la película homónima de David Trueba pero preferí descubrir antes las letras de Javier Cercas que las imágenes del pequeño Trueba. Y me encontré con un tostón insufrible, vacío, con muchísimas pretensiones y muy poquitos logros. Detecté cierta intención de jugar con la ficción y la no ficción literaria, muy en la línea de los narradores modernos -ya sean literarios o cinematográficos- pero de forma muy desacertada, como si se hubiese obligado a hacerlo sin saber demasiado bien cómo.

Hace unas semanas decidí darle una nueva oportunidad con La velocidad de la luz, la novela que siguió a Soldados de Salamina. Más de lo mismo. O menos de lo mismo. Es decir, otra vez, insoportable. Aquí su estilo es bastante imperfecto, no me gusta en absoluto y todo lo que cuenta me importa entre poco y nada. Aunque su principal defecto no radica en que aquello que cuenta no me interese sino en que el señor Cercas lo convierte en material poco interesante. De las miles de maneras que se puede narrar una historia Cercas elige la menos apropiada y encima lo perfuma todo con cierto tufillo sospechosa y peligrosamente derechista. Hay grandes narradores que hacen oro de un montón de arena y el aquí reseñado ni siquiera es capaz de hacer un castillo con esa arena.

Hace poco me recomendaron Anatomía de un instante, su último trabajo, basado en el 23-F. No Cercas, no. No eres el autor intelectual que nos quieren vender. Ya me engañaste dos veces y no voy a caer una tercera.

Por cierto, ¿alguna recomendación literaria para el caluroso verano?

Caminando sobre una delgada cuerda

2010-06-12T00:31:00.000+02:00

En el cine y en casi cualquier arte hay artistas que deciden caminar sobre cuerdas tan delgadas que terminan por romperse.

Jean-Luc Godard, por ejemplo, comenzó a caminar por esa cuerda a principios de los sesenta con su Al final de la escapada (A bout de souffle, 1960) dando inicio a un movimiento libre, vanguardista y, no lo neguemos, arriesgado. Y no sólo no cayó de la cuerda sinó que junto a él cruzaron otros muchos cineastas. La nouvelle vague es a día de hoy estudiada y venerada por la inmensa mayoría; ha hecho correr ríos de tinta. Sin embargo no puedo evitar preguntarme si lo que Godard hacía en ese primer film era una ruptura de normas tanto técnicas y artísticas fruto del deseo de una libertad creativa en el campo del cine o, por el contrario, nos estaba tomando el pelo. Da la sensación de que Godard se tambalea sobre la cuerda floja pero la duda surge y nos preguntamos si está realmente a punto de caer o son movimientos intencionados para darnos miedo y pensar que se va a desplomar.

Otro funambulista del cine es, sin lugar a dudas, Jesús Franco. Aunque podamos pensar que su circo tiene poco que ver con el practicado por Godard, el tío Jess tiene más cosas en común con su semejante frances de las que a priori podamos creer.

Si tomamos, por ejemplo, la primera mitad de su film Drácula contra Frankenstein (1972), podemos ver claramente como su discurso narrativo, así como sus constantes rupturas de los métodos tradicionales de representación, no se alejan tanto de algunas películas de la Nouvelle vague. Sin embargo, la incertidumbre a la que aludía antes al enfrentarnos a Godard, aquí se resuelve a medida que avanza el film: el propio Jess Franco se lanza al vacío, sin temor, para estrellarse contra el suelo. Pero al contrario de lo que se pueda pensar, su caída es intencionada, sabe perfectamente lo que hace, aunque quizás sólo él sabe por qué motivos.

No es descabellado si me atrevo a afirmar que cierto cine de Jess Franco fue lo más cercano a ciertas nuevas tendecias europeas en determinado momento histórico, no llegando a cuajar por deseo expreso del mismo director. Al final parece que la única diferencia que existe -y no es pequeña, aunque tampoco imposible de ver- entre Godard y Franco y, en consecuencia, el por qué se encuentran tan distanciados en cuanto a su supuesto interés cinematográfico (Godard aparece en todos los manuales de historia y Franco ni tan siquiera es aludido) es una cuestión de sutileza: el primero supo -y sabe, parece ser- cruzar con elegancia, sabiendo en cada momento dónde pone los pies; utilizando sus trucos para alertar al espectador; y, sobre todo, llegando siempre al otro extremo de la cuerda. El segundo, sin embargo, jugó a lo mismo que Godard pero a mitad de su recorrido decidió tirarse, asustando al espectador del mismo modo que nos asustamos al ver a un funambulista que no da bien su paso, obligándole a taparse los ojos . Incluso a día de hoy, Godard dice que no acude a los festivales por "problemas de tipo griego" mientras que Franco dice que "le están dando por el culo".

Sutileza.

Y en medio de estos dos ejemplos que, aparentemente, están tan separados aparece el sinvergüenza. El cineasta inteligente que con su impostura intenta hacernos creer que en su cine hay ciertos valores que realmente no hay y, encima, es sabedor de ello y alimenta su farsa siempre que puede. El cineasta que de una forma u otra parece estar ofendiendo no sólo a los que arriesgan o arriesgaron en su día sino a todos aquellos que luchan por sacar adelante sus proyectos y no pueden. El cineasta que camina sobre una cuerda delgada pero a ras de suelo e intenta hacernos creer que corre un riesgo. Pero no sigo escribiendo porque en este blog ya he hablado de...

Invitación a la reflexión tras Cannes 2010

2010-05-14T23:09:00.000+02:00

Sin tiempo para actualizar quisiera haceros perder el poco tiempo que tenéis para leer e invitaros a una reflexión tras el Festival de Cine de Cannes de este año.

Hace unas semanas, antes del susodicho evento, algunos lamentaban que el cine español no se encuentra en buena situación (algo que, por otro lado, tampoco comparto al 100%). Por su lado, el I.C.A.A (Instituto de Cinematografía y Artes Audiovisuales), presumía de cine español presente en Cannes.

Hoy, tras el palmarés, estarán celebrándolo con una tortilla monumental para todos los académicos o alguna otra vieja costumbre cañí. Sin embargo, seamos claros, ¿qué se ha conseguido?

Javier Bardem gana el premio al mejor actor. Es tremendamente celebrable, pero no hay que olvidar que la película Biutiful, pese estar hecha con capital autóctono, es de un reconocido director mexicano con carrera en Hollywood. Premio para Bardem, sí, pero no para el cine español. A González Iñárritu nadie tiene que enseñarle a hacer cine a estas alturas...

Uncle Boonme Who Can Recall His Past Lives, del amigo Apichatpong Weerasethakul. Aparte del miedo que nos pueda dar este señor, es la ganadora de la Palma de Oro de este año. Producción española... y tailandesa, inglesa, francesa y alemana. Sobran comentarios.

Y finalmente Óliver Laxe y su ópera prima Todos vós sodes capitáns, gallego de nacimiento, se larga a casa dando la campanada y con el FIPRESCI bajo el brazo. ¡ Y es producción 100% española! Pero el I.C.A.A. se olvidó de él, el pobre de Laxe se pagó la película de su bolsillo, sin subvenciones. No les culpen, es normal, es un rarito y a esos no hay que darles dinero.

¿El cine español está de enhorabuena?

Los olvidados (IV): El hombre que se equivocó con su lugar de nacimiento

2010-04-05T02:47:00.001+02:00

La última semana he visionado todas las películas que he encontrado de un cineasta al que tan sólo conocía ligeramente, más por todo lo que había leído que por lo que había visto: Juan Piquer Simón.

Piquer Simón irrumpe en el mundo del cine en una época delicada para el cine español y más concretamente para el género fantaterrorífico. El panorama cinematográfico de la época era, como la misma etapa política, un período de transición, con un rumbo indefinido y confuso. Con la muerte del dictador había llegado la hora de liberación y esto, en el cine, se tradujo en forma de tetas y culos. Era la edad dorada del destape o el cine "S".

Los mitos del género, como Paul Naschy o Jess Franco, intentaban sobrevivir haciendo valer su reputación y seguían dejando huellas en el camino con títulos como El huerto del francés (1978) y El caminante (1979) o El sádico de Notre-Dame (1978) y Eugenie (1980), respectivamente.

En medio de este complicado panorama irrumpe Piquer con Viaje al centro de la tierra (1977), film basado en la mítica novela de Julio Verne, que resulta un ejemplo claro de lo que iba a ser parte de su cine, es decir, un cine para todos los públicos, con grandes dosis de fantasía y aventuras.

Precisamente por esto, por dirigirse a un público mayoritariamente juvenil, Piquer se convierte en un incomprendido para la crítica y, a día de hoy, sigue siendo una de las principales razones para crucificar al cineasta cuando se reseña alguno de sus trabajos. Sin embargo, pese al espaldarazo de la crítica, el público responde de forma increible en la historia del cine español y más de 2 millones de personas acude a las salas de cine a ver la adaptación de la aventura de Verne.

En la misma estela, Piquer repetiría con films como Misterio en la isla de los monstruos (1981), Los diablos del mar (1982) -ambas, también adaptaciones de Verne- y, años más tarde, La isla del diablo (1994) y Manoa, la ciudad de oro (1999), con irregulares éxitos de público.

Y si por una parte Piquer se acercó al público juvenil, también tuvo su espacio para un público más adulto con films más oscuros y sangrientos.

En 1982, rueda en coproducción con Estados Unidos el film de serie B Mil gritos tiene la noche, un claro exploit de otros éxitos de la época como Halloween (John Carpenter, 1978) o Viernes 13 (Sean S. Cunningham, 1980), cosechando un gran éxito de público en norteamerica y la posibilidad -que rechazó, y éste puede que fuese su gran error- de quedarse a rodar en Hollywood. El film no ofrece nada nuevo pero está narrado con pulso y se aleja de sus referentes introduciendo elementos que recuerdan más al giallo -la melodía de piano que acompaña al asesino- que al ya clásico slasher. En su misma linea rueda Slugs, muerte viscosa (1988) -una simpática e irónica monster movie basada en una novela pulp- o La grieta (1990) -terror abismal en la linea de Alien (Ridley Scott, 1979) que encuentra su principal defecto cuando su atmósfera, cargante, se vuelve explícita-.

Y en medio de todo esto encontramos un film inclasificable: Supersonic Man (1979). La película se lleva el mérito de ser la única película de superhéroes española rodada hasta la fecha. Estrenada un año después del primer Superman de Christopher Reeve, supone un híbrido entre el exploit y la parodia con momentos verdaderamente delirantes y desternillantes que, sin embargo, nos ofrece claras pistas de lo que podemos encontrar en todo el cine de Piquer Simón: la absoluta ironía.

Acercarse al cine de Piquer con una mirada rígida se convierte en un error y en el principal motivo para que no podamos disfrutar con sus películas. El cine que Piquer plantea jamás puede competir con sus contemporáneas del cine español al encontarse fuera de lugar pero, por otra parte, tampoco puede competir con las americanas, con las que guarda cierta versemblanza, al encontrarse obsoletas a su lado. Con todo esto, conociendo sus fallas, sus defectos, sus riesgos, Piquer sigue empeñado en echar adelante éste tipo de cine -sin olvidar que en los 80 en España no se subvencionaba en cine de género- y eso lo convierte en alguien digno de admiración.

Retomando el título, me gustaría saber qué hubiese sido de Juan Piquer Simón si en lugar de nacer en Valencia hubiese sido ciudadano americano. Si su Viaje al centro de la tierra no hubiese estado rodado con capital español, si su Supersonic man se hubiese convertido en una secuela de Superman, si sus aventuras juveniles pudiesen haber sido algo parecido a Los Goonies (Richard Donner, 1985) o si La grieta se hubiese alzado como una clara competencia de The Abbys (James Cameron, 1989).

Letras perdidas

2010-03-18T13:38:00.000+01:00

Reconozco que soy un blogger muy irregular. Tengo temporadas en las que actualizo cada semana y otras en las que me paso meses sin colgar nada nuevo. Sin embargo eso no significa que no escriba.

Cuando abrí el blog tome la decisión de que fuese mi espacio personal en el que poder comentar todo lo que me apetezca, principalmente temas relacionados con el cine. Y normalmente no me ato a convencionalismos y cuando todo el mundo habla de la película de moda yo intento hablar de temas de los que la gente ni se acuerda. Al fin y al cabo, en mi opinión, este mundo contaminadísimo por blogs de distinto interés, se debe entender casi como un diario personal con la contradicción de que aquello que se escribe es público y esconde cierta dosis de egocentrismo.

Dicen que el hábito no hace al monje pero a los que nos gusta escribir -da igual si lo hacemos mejor o peor- encontramos en el blog el medio perfecto para no perder el hábito, valga la redundancia, y sirve para que aquello que manifestamos en forma de palabras no se quede en un cajón escondido. Si bien es difícil que te lean más allá de tu círculo cercano de amistades, algunas veces aparecen desconocidos que para bien o para mal terminan opinando sobre lo que publicas.

Sin embargo uno de mis defectos y no se si alguien lo compartirá es que suelo escribir y luego arrepentirme de ello. A veces escribo algo y lo publico inmediatamente, casi sin repasarlo. Otras veces redacto, leo, releo y tardo unos días en decidir si lo subo o no. Y termino por no subirlo.

Registrando en las entradas no publicadas he encontrado cosas tan dispares como una lista con los momentos que más me han emocionado en la historia del cine, con un completo repaso a la figura de otro "olvidado" como Amando de Ossorio y una reivindicación -o rabieta, como a mi me gusta llamarles- de la película The innocents de Jack Clayton. Todas y cada una de ellas no han sido publicadas bien porque no me gustaba como estaban escritas o bien porque creía que aquello no le iba a interesar a nadie. De hecho, incluso pienso que lo que estoy escribiendo ahora no le importa a nadie más que a mí.

Todo esto me lleva a pensar en algo que me parece profundamente triste. Y es que si yo, un blogger mediocre sin apenas estilo, tengo textos que jamás verán la luz, ¿qué se esconderá en los cajones de gente como Pérez-Reverte, Vargas Llosa, Tom Wolfe o García Márquez? ¿Qué se habrá llevado a la tumba Miguel Delibes o, en su día, Camilo José Cela, Truman Capote o Vladimir Nabokov?

Imaginen todo lo que los grandes escritores, en algun momento, descartaron por no considerarlo suficientemente bueno o de interés general. Imaginen las joyas que nos estamos perdiendo. No me cabe duda alguna de que entre todos los escritos que nunca aparecerán o, incluso, los que jamás salieron de sus mentes, se encuentran las grandes obras maestras de la literatura.

Por eso, desde mi humilde blog, creo que no voy a esconder nada más. No me comparo con ninguno de los nombres que he dicho pero, quién sabe, quizá para alguien, seguramente desconocido, lo que yo creo que no va a aportar nada le sirve para alguna cosa, aunque sea para reirse de mi.

Una de reflexiones...

2010-01-30T02:31:00.000+01:00

He estado leyendo en Cahiers-España (algún día escribiré una entrada contando por qué me compro dos revistas tan antagónicas como Cahiers y Fotogramas) un interesante repaso a lo que ha sido la primera década del siglo veintiuno en lo que a cine se refiere. En ella no solo elaboran su lista con las mejores películas sino que publican una serie de listas de otros medios de comunicación dedicados al cine junto con las de algunos profesionales, como críticos, profesores, teóricos o historiadores.

Como cabía esperar, no es sorprendente encontrar películas con las comparto totalmente su posición y otras por las que me llevo las manos a la cabeza y grito enfurecidamente. Pero, sobre todo, llama la atención encontrar en su top 20 varios films que nunca se han estrenado en España. Nombres de directores que tanto Cahiers como individuales repiten hasta aburrir y de los que el público general jamás ha podido gozar -o no- de una de sus películas. Nombrar a Apichatpong Weerasethakul suena bonito para una revista de modernos pero si no fuese por el testimonio directo del dueño de Paraíso del Freaky, que afirma haber visto películas suyas, comenzaría a pensar que este personajillo coreano es un invento de la revista, que no existe realmente (aunque, reflexionando, es posible que esto ya se haya hecho: miren a Albert Serra y díganme si creen sinceramente que su bigote no es postizo, que en las entrevistas no esconde una tele de plasma de 50 pulgadas debajo de la cama y que no se llama José Luis López o algo más común...).

Siguiendo con el análisis llego a la conclusión de que a esta gente no les gusta el cine. Es lo mismo que ocurre con la gastronomía, por poner un símil. Es probable que nos guste comer un plato de diseño de vez en cuando pero cuando uno de verdad ama la comida, estoy seguro que antepone un buen plato de sopa o de lentejas a un nosequé cocinado con nitrógeno líquido. El mundo se ha degradado (aunque sea un término, quizás, exagerado) hasta el punto de querer estar incluso por delante de las modas. Ser raro es cool y ver películas de orientales con nombres impronunciables te convierte en cuasi culto.

Gustos aparte, había muchísima más sinceridad en cualquiera de los autores de películas "modernas" de los 50-60 (véase Truffaut, Godard, Kurosawa, etc.) que en los que Cahiers sitúa como "nuevas promesas para el nuevo siglo" que, por cierto, podría haber titulado "sinvergüenzas para el nuevo siglo" ahorrando tinta y sin perder el significado. Lisandro Alonso, Albert Serra, Raya Martin, Lucrecia Martel, Isaki Lacuesta... de ellos conozco más bien poco pero, vaya el discurso por delante, sólo salvo de la quema a Lacuesta, por su simpatía y transparencia en las entrevistas, en las que siempre defiende que el cine que realmente quiere hacer es mucho más comercial pero a día de hoy no le dejan hacerlo... A veces es cuestión de actitud.

Sorprende y decepciona encontrarse al bueno de Santos Zunzunegui -que, por cierto, del reciente cine español sólo salva El silencio antes de Bach de Portabella y En la ciudad de Sylvia de Guerín. Creo que nos merecemos más...- colocando en primer lugar el film 13 lakes de James Benning, que no sólo no se ha podido ver en España sino que es un film construído en 13 planos fijos de diez minutos de duración de 13 lagos distintos. 130 minutos de película.

No. Avatar no es cine, es sólo espectáculo. Pero esto... ¿esto qué es? ¿Soy el único que a veces se asusta?

Los olvidados (III): Antonio Mercero

2010-01-16T00:39:00.001+01:00

Tenía ya preparada mi entrada sobre Amando de Ossorio pero he decidido dedicarle antes este post a otro de los mayores conocidos desconocidos de nuestro cine, Antonio Mercero, por tres razones: la primera, porque me ha sorprendido encontrarme con una faceta del director que desconocía completamente; la segunda, porque este año va a recibir el Goya Honorífico y se va a hablar mucho de él; y la tercera, porque viene a ser la continuación natural de mi anterior entrada sobre Los olvidados, que giraba en torno a Narciso Ibáñez Serrador.

Antonio Mercero pasará a la historia por crear algunas de las series de mayor éxito en la televisión española. No me creo que nadie haya visto nunca un episodio de Verano azul, Farmacia de Guardia, Turno de oficio o Crónicas de un pueblo.

Sin embargo es un cineasta con una carrera irregular y parcialmente desconocida. Algunos de sus títulos más recientes -independientemente de su interés- como Planta 4ª, ¿Y tu quién eres? o La hora de los valientes, pasan desapercibidos para la mayoría del público y sus "grandes clásicos", como Espérame en el cielo o Tobi, quedan recluidos a conversaciones entre cinéfilos tachados de freaks.

Pero, exceptuando las series, los mejores trabajos de Mercero, en mi opinión, son sus piezas cortas realizadas para TVE desde los años 70 hasta ya entrados en el nuevo siglo. Y de entre todas ellas, sin ningún tipo de dudas, me quedo con esa obra maestra llamada La cabina (1972).

La cabina es un buen ejemplo para darnos cuenta de que la producción televisiva actual en España es patética. Se trata de una película para televisión de 35 minutos que no pertenece a ninguna serie ni es, de ninguna manera, nada parecido a las miniseries que copan las pequeñas pantallas con historias insulsas, mal contadas, aburridas y de interés escaso que a día de hoy se emiten casi semanalmente (véanse las tv movies centradas en acontecimientos morbososo como Los últimos días de Franco o Una bala para el rey). Es una historia de terror psicológico magistralmente narrada, con un magnífico guión (del propio Mercero y ¡José Luis Garci!) y una estupenda interpretación de José Luis López Vázquez. Sobre ella se han escrito páginas y páginas con distintas interpretaciones y metáforas más o menos ocultas sobre su posible crítica política, en la que sus autores nunca han querido meterse, afirmando siempre que cuando escribían estaban más cerca del cine de terror que de la política.

El tándem Mercero-Garci dio otro producto en el año 1976 con el título de La Gioconda está triste. Basada en un cuento homónimo del propio Garci, cuenta una historia que a día de hoy sigue siendo de una modernidad absoluta. Lástima que, al contrario de La cabina, no se puede decir lo mismo de su estilo, de su narratividad, que vista ahora huele demasiado a naftalina, ha envejecido terriblemente mal. Pese todo, su idea es brillante: un vigilante nocturno del Museo del Louvre descubre que el famoso cuadro de Da Vinci ha perdido su sonrisa. Múltiples análisis demuestran que la pintura no es una falsificación sino la verdadera y que, por tanto, la Gioconda está entristeciendo. A medida que pasan los días la mueca de tristeza de la mujer retratada es más y más triste y la totalidad de la población mundial es incapaz de sonreir.

Las dos pequeñas historias podrían perfectamente pertenecer a la serie Historias para no dormir. Incluso creo recordar que Ibáñez Serrador, en alguna entrevista, ha contado a modo de anécdota que se le han atribuido títulos que no son suyos sino obra de Mercero.

Para finalizar, me gustaría destacar la última de sus producciones para televisión: La habitación blanca (2000).

La habitación blanca podría entenderse como una actualización de La cabina. Su linea argumental no tiene nada que ver pero sí podrían sustraerse lecturas similares tanto de una como de la otra. En ella se cuenta cómo un hombre, obsesionado con la televisión -tiene un aparato en cada habitación-, comienza a sufrir "alucinaciones" en las que la televisión (o el televisor) parece querer dominarle. Aunque a priori su argumento nos pueda recordar a El televisor, de Ibáñez Serrador, la historia es completamente distinta. Su argumento es bueno, su tensión y su terror están bien transmitidos pero aun así algo falla e impide que este producto sea excelente y se quede tan sólo en un digno y curioso ejercicio (que es mucho más de lo que otros nos dan). Del mismo modo que afirmo que La gioconda está triste huele a añejo, aquí parece que nos encontramos ante una historia que fue pensada y escrita en los años setenta pero rodada hace apenas una década. Y eso le pasa factura. Su puesta en escena peca, en demasiados puntos, de simple y su increible reparto no está a la altura que podemos esperar (Chete Lera, Pepe Sancho y Fernando Guillén parecen perdidos en muchos momentos y no sacan a relucir todo el potencial que han demostrado tener).

Pese a todo, estas tres piezas podrían formar una trilogía de cuentos fantásticos para televisión realizados a lo largo de treinta años que darían más de una lección a algunos guionistas y realizadores contemporáneos pero, sobre todo, me ha gustado encontrar un Mercero mucho más oscuro de lo que conocía. He visto que quien creía que era un director moralista ha coqueteado sin ningún escrúpulo con el cine fantástico o el terror más puro y ha sido capaz de llevarlo con éxito a la televisión española. Y eso, una vez más, merece ser reivindicado.

Y lo más sorprendente es que, repasando su filmografía, encontramos muchos títulos olvidados que merecerían ser rescatados y que, sin duda, me obligarían a ampliar esta reseña sobre "el Mercero fantaterrorífico". Me refiero a películas como Manchas de sangre en un coche nuevo o Tobi que, por desgracia no he podido conseguir, por ser prácticamente imposibles de encontrar. Si alguien me dice donde encontrarlas se lo agradecería enormemente.

De momento, redescubran a Mercero. Lo agradecerán.

2009: un año de cine

2010-01-02T15:25:00.000+01:00

La semana próxima volveré con una nueva entrega de mi monográfico sobre "Los olvidados" pero creo que en estas fechas es necesario hacer un repaso rápido a lo que ha sido el año 2009.

Me gustan las listas así que voy a intentar hacer un subjetivo top ten con las mejores películas que he visto este año en una sala de cine. Advierto que, posiblemente, me he perdido grandísimas películas que espero poder disfrutar en dvd próximamente.

10. El luchador (The wrestler) de Darren Aronofsky.

Un film maduro en el que su director se deja sus habituales drogas alucinógenas en la mesita de noche -ojo, a mi no me digusta su cine- y cuenta una historia que pese parecer típica y tópica refleja magistralmente el fracaso y el infierno de alguien que lo ha tenido todo y lo ha hechado a perder. Interpretaciones perfectas.

9. Gran Torino de Clint Eastwood.

El maestro Eastwood nos soprendía por segunda vez en poco tiempo -ya lo hizo con El intercambio (Changeling), también en esta lista- con una sencilla historia que parecía actualizar la historia de un Harry Callahan, ahora jubilado y vecino de un barrio de inmigrantes. Lejos de ser más de lo mismo, Eastwood demostró ser uno de los mejores directores de cine en activo.

8. Déjame entrar (Låt den rätte komma in) de Tomas Alfredson.

Cuento de terror sueco convertido en film de culto incluso antes de estrenarse, nos hace ver que se pueden contar historias de vampiros adolescentes más allá de Crepúsculo. Un tempo lento para una historia oscura perfectamente narrada.

7. Up de Peter Docter y Bob Peterson.

Pixar nos regalaba otra joya, muy distinta a Wall-E, con uno de los mejores arranques que he visto en un cine en mucho tiempo. Luego se transformaba en algo un tanto infantil pero narrado de forma que no pude despegar los ojos de la pantalla durante todo su metraje.

6. Vals con Bashir (Waltz with Bashir) de Ari Folman.

Híbrido entre ficción y documental, demuestra con creces que en muchas ocasiones el debate sobre la fina línea que separa la ficción de la no ficción es absurdo. Dibujado con un estilo apabullante, Folman intenta recuperar, reconstruir su memoria y parte de una historia perdida que no por ello deja de ser real y terrorífica.

5. El intercambio (Changeling) de Clint Eastwood.

Antes de estrenar Gran Torino,, Eastwood pasó por las salas con este film más olvidado pero no por ello menos interesante. Angelina Jolie se come la pantalla con un personaje que Eastwood maneja con maestría y consigue atraparnos en una emocionante y cruda historia.

4. Celda 211 de Daniel Monzón.

El cine español está en forma y esta película es un claro ejemplo. Está narrada con un pulso del que deberían sentir celos otros directores (tanto españoles como foráneos); tiene un ritmo trepidante que no rompe la narración ni la lleva hacia el ridículo (como hemos visto en tantas ocasiones...); y posee unas interpretaciones sencillamente sobresalientes. Atrapa desde el primer hasta el último fotograma y se va a hinchar de premios en los Goya (o eso espero) que servirán para tapar las muchas bocas que no creen en el cine de género.

3. Màscares de Elisabet Cabeza y Esteve Riambau.

Interesantísimo documental que se mete de lleno, como un voyeur, en el proceso de creación de un personaje por parte de un actor. Ha pasado desapercibida entre el público y crítica pero sigo defendiendo que esta masterclass impartida por el genio Josep Maria Pou debería ser de obligado visionado para cualquier estudiante de intepretación, cine o audiovisuales o cualquier buen aficionado al cine y al teatro.

2. Tres dies amb la familia de Mar Coll.

De factura similar a los films de Cesc Gay, cuenta la historia de una joven que debe volver de su estancia en el extranjero para asistir al entierro de su abuelo y pasar tres días con su familia y las tensiones que la rodean. Las situaciones, los diálogos, los silencios, las brillantes interpretaciones, la forma de mirar de su directora, etc. la convierten en una opera prima casi perfecta de una realizadora que dará que hablar en los próximos años.

1. Malditos Bastardos (Inglourious Basterds) de Quentin Tarantino.

Asumiendo el riesgo de ser llamado sinvergüenza, he de celebrar que mi admirado Tarantino parece volver a las andadas tras "el parón" de Deathproof (que a mi no me parecía tan mala) para contar una gamberrada de alto nivel en el que nuevamente demuestra que se la suda absolutamente todo, incluida la historia.

Un ranking con tres películas españolas y dos documentales, para que luego digan; un ranking en el que se quedan fuera El imaginario del Dr. Parnassus, Si la cosa funciona, District 9 o Watchmen, entre otras muchas; un ranking en el que, de haberlas visto, posiblemente hubiesen entrado films como El secreto de sus ojos, Ponyo en el acantilado o Appaloosa; un ranking en el que nunca entrarían decepciones como Los condenados, Gigante, Ágora o El curioso caso de Benjamin Button; un ranking en el que no está Avatar.

En definitiva... ¡Feliz año a todos! Y esperemos a ver que nos trae el 2010 (cinematográficamente hablando, claro).

Los olvidados (II) : Narciso Ibáñez Serrador

2009-12-26T16:50:00.000+01:00

Viernes. Año 1966. Una sintonía paralizaba el país entero. El crujido de una puerta al abrirse, un grito, de nuevo el crujido y la puerta se cierra de golpe… Me estoy refiriendo a Historias para no dormir, la serie más significativa cuando hablamos de terror o fantástico en la televisión española.

Narciso Ibáñez Serrador, gran cineasta, genial contador de historias y uno de los más listos realizadores de la historia de la televisión en España dio vida a esta serie, intentando (y consiguiendo) que el miedo se alojase en los hogares españoles mediante cuentos tradicionales de terror o historias escritas por él mismo (bajo el seudónimo de Luis Peñafiel). Era una España difícil y todavía nadie se había atrevido a tocar este tipo de historias. Era la primera vez que la ciencia ficción, el terror, el misterio, el suspense, etc., tenían lugar en las pantallas de Televisión Española. Las emisiones se convirtieron en un verdadero fenómeno.

Las cartas, a favor y en contra de la serie, inundaban los despachos de Televisión Española. No dejaba indiferente a nadie. El propio Ibañez Serrador, en la introducción de sus capítulos, aprovechaba para comentar las cartas que le pedían que no asustase tanto con sus historias o incluso los que pedían más terror... y se reía con ellas. Unas presentaciones en las que siempre intentaba hacer un gag, contar un chiste al más puro estilo Alfred Hitchcock en su famosa serie. Ibáñez Serrador siempre reconoció la influencia del maestro del suspense y defendía sus presentaciones con argumentos tan sabios como el siguiente:

"El secreto está en que el suspense o el terror se deslizan por una linea muy fina y puedes caer de uno u otro lado. De un lado, tremendo, es que aburras; del otro lado, más tremendo todavía, es que se rían. Ese es el motivo por el que en las presentaciones siempre me las ingeniaba para crear un gag porque siempre he preferido que se rían de mi que no de lo que hago".

Recuerdo con especial cariño capítulos como La promesa, La zarpa -sobre la que ruedan varias leyendas, como la de la pareja de ancianos que murió de miedo viéndola o los que vieron -imaginaron- la terrorífica cara de un "zombie" que Ibáñez Serrador siempre mantuvo fuera de campo- o El cuervo, biografía-homenaje a Edgar Allan Poe, fuente de inspiración de muchas de sus historias.

De entre todos los grandes actores que colaboraron en la serie no podemos pasar por alto otro grande del fantaterror español: Narciso Ibáñez Menta. Padre del creador de la serie, encarnaba como nadie los complejos personajes que su hijo escribía para él. Son memorables sus interpretaciones en El trapero, El último reloj o El televisor, pieza clave del terror español, rodada fuera del contexto de la serie en los años 70, en la que interpreta a un hombre que consigue cumplir el sueño de comprarse un televisor en color, pero desconoce las consecuencias que le va a provocar en su vida.

Entre historia e historia, Ibáñez Menta nos regaló dos largometrajes. El primero de ellos, La residencia, muy en la linea de sus trabajos para televisión aunque, en mi opinión, bastante más flojo; y ¿Quién puede matar a un niño? una indiscutible obra maestra del terror, incomprendida y arriesgada, que trata de crear una terrorífica atmósfera siempre con la luz del día y con unos desagradables niños como protagonistas.

En 2005 se intentó relanzar la idea mediante una serie de TV Movies tituladas Películas para no dormir, en las que participaron directores de la talla de Álex de la Iglesia, Enrique Urbizu o el propio Ibáñez Serrador, recuperando la esencia de las clásicas Historias para no dormir y demostrando que la vieja fórmula sigue vigente.

De una forma u otra, es evidente que esta serie ha influido a generaciones posteriores y cineastas como Álex de la Iglesia, Jaume Balagueró o Paco Plaza reconocen en Ibáñez Serrador a un verdadero maestro del terror, un nombre que todos conocemos pero del que muy pocos conocen bien su obra. Una figura que, a menudo, sigue pidiendo una reivindicación.

Los olvidados

2009-12-05T14:46:00.000+01:00

El lunes falleció Paul Naschy, uno de los nombres más importantes cuando hablamos de fantaterror español. Naschy fue guionista, director y actor de numerosos títulos que pasarán a la historia del cine español. Ayer, viernes, llegué a casa con la esperanza de que el programa Versión Española de TVE, del mismo modo que hizo con Fernán-Gómez o López Vázquez, le dedicase un homenaje al gran actor que se nos acababa de ir, pero no fue así. Y me sentí molesto.

Me parece vergonzoso que se ningunee el fantaterror, en general, y el español, en particular, de la forma que los eruditos del cine se empeñan en hacer. En España, por fortuna, existe una gran tradición de cine fantástico ya desde los inicios del cine, pero parece que se quiere ocultar. Es como si esos títulos puediesen hacer daño a las producciones comprometidas con la sociedad que tan de moda están entre los nuevos y modernillos directores españoles.

No voy a repasar la historia del fantástico español porque sería muy extenso y para eso ya están los textos de gente como Jesús Palacios, José Manuel Serrano Cueto o Jordi Costa que, por fortuna, siguen defendiendo lo que yo, desde la humildad, voy a intentar reivindicar.

Me parece indignante cuando encuentro en portales extranjeros de venta de DVDs las películas de Jess Franco, Amando de Ossorio, Piquer Simón o del propio Paul Naschy en ediciones de lujo, remasterizadas, cuando en España ni siquiera las tenemos editadas o, en el mejor de los casos, las tenemos pasadas de un viejo VHS.

Me duele que se renuncie a una parte fundamental de la historia del cine. Películas realizadas con mucho esfuerzo y poco presupuesto que conseguieron muchos más logros de los que un buen número de títulos que ahora mismo encontramos en cartelera van a conseguir.

Parece que para hacer las paces con los seguidores de este tipo de cine se conceden Goyas honórificos (como el del año pasado a Jess Franco) o Oscars especiales (como el de este año a Roger Corman) pero siempre como si estuviesen diciendo "pobrecillos, que se hartaron de trabajar" pero nunca valorando el verdadero trabajo que hicieron.

Y es que si ya cuesta encontrar a alguien que conozca a Roger Corman imagínense lo que cuesta encontrar a alguien que sepa quien es Jorge Grau.

Con esta nueva vuelta al blog intentaré que durante las próximas semanas, los pocos lectores que tengo, puedan compartir conmigo la pasión por los grandes nombres del cine fantástico y de terror español.

Esto sólo es una introducción, una de mis habituales rabietas. La semana que viene más.

Crónica del 57º Festival Internacional de Cine de San Sebastián III

2009-10-09T23:34:00.000+02:00

Tercer día en Donostia. A primera hora tocó una de las sorpresas del festival: Yo, también. Sin ser una gran película resultó ser mucho mejor de lo que me podía esperar. De hecho, no esperaba mucho de esta cinta dirigida por dos noveles y sobre un tema con tantos peligros como es el sindrome de down. Pensaba que caerían en lo fácil y sin embargo, respetando lo delicado del tema, Álvaro Pastor y Antonio Naharro no sólo sobreviven el intento sino que sacan una película con un transfondo crítico, de veracidad, sin caer en esos lugares comunes que te conducen a la lágrima fácil. Con unas interpretaciones de gran nivel (recordemos que su dúo protagonista salieron de Donostia con la Concha de Plata a mejor interpretación masculina y femenina) consiguen que me crea la historia e incluso me interese por algunos de los asuntos que sacan a la palestra. Si es eso lo que pretendían, ¡enhorabuena! Quizá sobran algunas subtramas, algunas frases, algunas situaciones, pero se les perdona si se valora la película en su globalidad.

Por la tarde nos acercamos a la otra película uruguaya a concurso: El cuarto de Leo. Para muchos fue inferior a Gigante pero a mi me dejó mejor sabor de boca. Tras su visionado piensas que le falta algo, quizás otro ritmo o quizás que no se quede a medias tintas entre una trama dramática y otra cómica que no terminan de cuajar bien la una con la otra. Correcta, sin más.

El día terminó aquí ya que tuvimos que prepararnos para la gala de la noche, en la que se le entregaba el premio Donostia a Sir Ian Mckellen. El acto fue emotivo: se abrió con un gran discurso de Josep Maria Pou, seguido de un video que nos descubría a un actor más allá de Gandalf o Magneto (imprescindible ver cualquier film de Mckellen en versión original, (re)descubrirán a un grande). Cuando salió a recibir su premio los aplausos salían solos..

Cuarto día en Donostia. Madrugué para ver una película con polémica: La mujer sin piano, de Javier Rebollo. Mientras algunos le abucheaban cuando recogía su premio a la mejor dirección yo me alegraba de que el festival se atreviese a premiar a alguien que no ha hecho una película dentro de los cánones. Rebollo ha firmado una película personal, dicho de otro modo, ha hecho lo que le ha salido de las pelotas y se enorgullece de ello. La mujer sin piano se acerca a lo que hace Jarmusch o lo que filma Kiarostami y puede resultar aburrido para aquellos que se acerquen con una mirada clásica al cine. La película cuenta como Rosa, una mujer madura y aburrida de la rutina (bien interpretada por Carmen Machi en un cambio de registro radical), se marcha de casa dejando a su marido en la cama para pasarse la noche dando tumbos, encontrándose con situaciones de lo más variopinto. Una vez más hay que dejarse llevar más por las sensaciones que por la narración. Aun así hay verosimilitud, hay lógica, hay mensaje... siempre y cuando se le busque. Sólo les daré un dato para que se hagan a la idea de la película que van a ver si se acercan a La mujer sin piano: este mes es portada de Cahiers du Cinèma.

La mayor decepción del festival llegó esa misma tarde con Los condenados, de Isaki Lacuesta. Un interesantísimo director forjado en el campo del documental (o del híbrido entre ficción-no ficción que tantos debates abre) presentó una película muy (muchísimo) por debajo de las espectativas que había creado. Es su primera incursión en el campo de la ficción pura y cuenta la historia de unos ex guerrilleros que buscan el cuerpo de un antiguo compañero enterrado en alguna parte de una mastodóntica selva. Sin localizar la acción en ninguna parte, Lacuesta deja que la historia ocurra en el lugar que nuestra imaginación (o nuestro corazón) quiera, conviriténdola así (quizás) en una historia más internacional y al gusto (o sentimientos) de cada uno. Pero pincha y hace aguas por todos lados. Igual que en otras películas ya comentadas, en Los Condenados están pasando muchas cosas sin que, al menos a primera vista, pase nada. Pero en ésta el intento se queda a la mitad y a un servidor no llegó a calarle demasiado hondo. Lo que me sorprendió fue escuchar los comentarios negativos de los críticos a la salida de la sala y después ver que ellos mismos le concenden el premio FIPRESCI. Un misterio...

Último día en Donostia. Tras preparar maletas y dejar a punto el coche para nuestra vuelta, nos acercamos a ver nuestra última película en el festival: The imaginarium of Dr. Parnassus. Necesito advertir que soy un seguidor de Terry Gilliam y me gusta casi todo lo que dirige antes de decir que ha firmado una nueva gran película. No nos equivoquemos: no es una obra maestra, pero es fiel a su estilo. Con un universo particular, abusando del fantástico (me encanta) cuenta la historia de como el Dr. Parnassus, un viejo que en su juventud pactó con el diablo por la vida eterna, recibe la visita del Rey del Averno (interpretado de forma magistral por Tom Waits) para reclamar su parte del trato. Casi todo lo que se puede decir de esta película se resume en que a quien le guste el universo Gilliam le gustará y a quien no, no le va a gustar nada. En ciertos momentos recuerda a Tim Burton, incluso con su oscuridad, pero no hay que olvidar que Brazil ya era oscura. Gilliam es un autor y su firma se nota. Además. alegra encontrarse con momentos cómicos cien por cien Monty Phyton y reir (y sonreir) al tiempo que te das cuenta que la llama de su absurdo humor inglés sigue activa. Teniendo en cuenta las dificultades con las que la película se llevó a cabo (Heath Ledger murió en medio del rodaje), Gilliam ha aprobado con nota y ha contado la historia sustituyendo su personaje protagonista por cuatro caras distintas (Johnny Depp, Jude Low y Collin Farrell) que se infiltran dentro del metraje de forma justificadísima y sin que parezca un pegote en el guión.

Y aquí finalizó para mi la 57ª edición del Festival Internacional de Cine de San Sebastián esperando poder volver algún día y disfrutar del cine (y su ambiente) que la ciudad vasca recoge durante toda la semana. Inolvidable.

Crónica del 57º Festival Internacional de Cine de San Sebastián II

2009-10-02T22:40:00.000+02:00

El segundo día en Donostia amanecía con la esperanza de poder ver alguna película que me golpease de alguna forma después de las decepcionantes cintas del día anterior (no se me malinterprete, Get Low no está mal, pero es un huevo sin sal).

La primera fue una de las "gordas" del festival: The limits of control, de Jim Jarmusch.

Probablemente, si hemos visto algo de Jarmusch anteriormente, no salgamos del todo decepcionados del cine porque ya sabemos qué es lo que vamos a ver. Se repite el esquema de muchas de sus películas: un hombre anda y recorre distintos paisajes buscando algo que, con toda probabilidad, nunca sabremos qué es. Y en esta vuelve a ser así.

A priori el cine de Jarmusch se parece mucho a ese cine que no me gusta pero por alguna extraña razón, las pocas películas que he visto del cineasta, me transmiten una serie de sensaciones que no me parecen del todo desagradables. La película puede tacharse de lenta, de aburrida e incluso de pretenciosa pero de lo que no se puede tachar es de ser vacía, sin contenido o carente de sentido. Es como una melodía de jazz, donde hay una linea melódica que va siendo repetida por distintos instrumentos. A veces parece que hay disonancia pero todo está calculado al milímetro. Cuando acabo de ver una película suya, ésta permanece en la retina -y la mente- durante bastante tiempo, intentando comprender y sacar jugo de cosas que, posiblemente, no tengan más del que ya le he podido sacar. Hay que dejarse llevar.

Jarmusch es un cineasta con un universo muy particular y una forma de ver las cosas muy personales. Sus películas nacen a partir de sus sentimientos, de sus filias, de sus fobias. Podríamos decir que es "el hermano fácil" de David Lynch y The limits of control, su Mulholland Drive (espero que esto no asuste al lector, el film es radicalmente distinto al de Lynch a la par que "comprensible").

Por la tarde tuve la suerte de ver una de las mejores películas que han pasado por el festival. Es una lástima que Màscares, de Elisabet Cabeza y Esteve Riambau, haya pasado tan desapercibida tanto para público como para crítica. Se trata de un documental que retrata el proceso de creación de un personaje por parte de un actor. Aquí, el actor, el inconmensurable Josep Maria Pou; el personaje a encarnar, nada más y nada menos, el gigantesco Orson Welles. Su contenido puede ser discutido, los métodos de Pou pueden ser más o menos infablibles (no olvidemos que "cada maestrillo tiene su librillo") pero lo que no podemos negar es que se trata de un testimonio único, una clase magistral de uno de los grandes actores de teatro y cine en España y su visionado debería ser obligatorio en toda escuela no sólo de interpretación sino también de cine o comunicación.

Pocas horas después iba a encontrarme con la gran película del festival: 3 dies amb la familia, de Mar Coll.

El film no competía en ninguna sección oficial del festival, formaba parte de la actividad paralela "Made in Spain", en la que se proyectaron destacados films españoles del último año. Aparecimos por allí por casualidad, invitados por la propia directora, y, desde luego, no pensaba encontrar una película así.

La debutante Coll firma una película sencilla, inteligente, sin artificios, bien escrita e interpretada, con madurez, realista. No cae en la clásica tendencia de intentar conseguir la lágrima de la forma más directa. Su película rebosa sentimientos, dramatismo, pero sin obviar las realidades de la vida misma que, a veces, en los momentos más tristes nos llegan a sonsacar una sonrisa. Los personajes están dibujados al milímetro, sin desvíarse en un sólo momento, desde la debutante Nausicaa Bonnin hasta el siempre excelente Eduard Fernández.

Una grandísima opera prima en la linea del cine de Cesc Gay o de la "nueva" nueva ola francesa -no confundir con nouvelle vague-. Espero -y deseo- para la directora un futuro cargado de éxitos a la altura de su primer film.

La última película del día fue la uruguaya Gigante, del argentino Adrian Biniez. Si con la anterior me llevaba una sorpresa con Gigante me sentí decepcionado. No es una mala película, es cierto, pero el hecho de venir avalada por tres premios en la Berlinale y de haber podido ver un trailer que dejaba sobre la mesa tantas espectativas, hace que pongas en un pedestal algo que finalmente termina por no estarlo.

Es interesante, es cómica, es tierna pero le falta un nosequé para captar con suficiente fuerza mi atención. La película, por lo que he comprobado, gustó (se llevó el premio Horizontes Latinos) pero a mi me supo a muy poco. Los personajes están bien construidos pero a veces parecen andar por unos caminos que, para llegar donde finalmente llevan, se me hacen largos y un pelín aburridos.

A favor debo decir que la película significó un golpe de aire fresco en medio de las proyecciones del festival. Nada que ver con lo visto anteriormente: aquí no hay mal rollo, no hay tristeza, no hay lágrimas, es cine de consumo fácil y eso se agradece después de ver varias películas que, pese ser interesantes, comienzan a saturarte las puertas de entrada al cerebro.

El tercer día fue más ligero, pero no por ello menos agradable. Les cuento en la tercera parte de la crónica.

Crónica del 57º Festival Internacional de Cine de San Sebastián I

2009-09-27T00:13:00.000+02:00

Vengo de Donostia agotado pero con muy buenas sensaciones y con la alegría de haber podido asistir a la cita con el cine más prestigiosa a nivel nacional y también una de las más importantes a nivel internacional.

Como ya adelantaba en mi anterior post llegué con retraso al festival, perdiéndome algunas de sus perlas (¡Malditos Bastardos!, El lazo blanco, Taking Woodstock, El secreto de sus ojos, etc.) pero inmediatamente estuve dispuesto a tragarme todo el cine que se presentase ante mi y que fuera compatible con las entrevistas y otras tareas que debía realizar por allí.

No he podido ver la gran triunfadora City of life and death pero de entre todas ellas he podido disfrutar (o no) de Yo, también, cuyos actores se han llevado la Concha de Plata a la mejor interpretación masculina y femenina; la polémica La mujer sin piano, con la que Javier Rebollo ha recogido el premio a la mejor dirección entre el abucheo del público del Kursaal; o la uruguaya Gigante, mejor película en la sección Horizontes Latinos. A estas películas les acompañan otras ocho que aunque se hayan ido de vacío voy a comentar, de una forma u otra, en este y otros posts que dedicaré a hablar del festival.

Entrar en una sala de cine en un festival como éste significa que una extraña sensación recorra todo tu cuerpo diciéndote que el 90% de los presentes sabe más de cine que tu, convirtiéndote en un ser bastante ignorante. Más aun cuando te sientas y ves que en la fila de delante tienes a Carlos Boyero y justo a tu lado a Álex Gorina. Aun así, como en todas partes (bueno, no todas), la gente se calla cuando la luz se apaga y se mantiene en silencio durante toda la proyección. No hay tantas diferencias...

Get Low

La primera de las películas que pude visionar fue Get Low, de Aaron Schneider, cuyo mayor atractivo era su elenco capitaneado por Robert Duvall, Bill Murray y Sissy Spaceck. Los trailers son engañadores y si en el otro post decía que era un thriller con aires de western, me desdigo de mis palabras para calificar la película de drama simpático con aires de telefilm (sí, ya se que la etiqueta tiene valoraciones personales pero no se me ocurre otra forma de calificarla). El film arranca con cierto interés y su premisa es buena: Robert Duvall es un viejo con muchas leyendas -verdaderas y falsas- a sus espaldas que un día decide planear su propio funeral al que piensa asistir y revelar su verdadera historia. Después de saberlo todo en los primeros minutos, la película avanza sin más interés que ver actuar al personaje de Bill Murray en medio de una película en la que tanto él como el señor Duvall parecen preguntarse "¿Qué hago aquí?". Schneider conduce su (tele)film hacia el culebrón, intentado guardar un "secreto" que va a desvelar al final a modo de sorpresa sin darse cuenta de que su historia termina desembocando en lo previsible. Una película correcta, sin más, típica de tarde de domingo en Antena 3.

Get Low

Por la noche nos esperaba la gran mentira del festival: Los viajes del viento, de Ciro Guerra. Si con la anterior película maldecí los trailers, con esta me doy cuenta de que las sinopsis también son engañadoras (por algo hace mucho que dejé de leer sinopsis y ver trailers...). Dije que se trataba de un drama con un estilo cercano al documental musical. Pues, señores, ni drama ni documental (bueno, quizá en sus formas un poco...) ni musical. Es más, diría que ni siquiera hay estilo. La película cuenta cómo un cantor-acordeonista de prestigio (con cierto parecido al presidente de Cantabria) emprende un viaje para cumplir una promesa. En este periplo lo acompaña un ridículo jóven bastante cansino (éste se parece a Ronaldo), encarnado por un actor que no sabe actuar, con la intención de aprender a tocar como el maestro al que sigue. No hay más. Dos horas en las que el hombre rueda por desiertos colombianos con su acordeón y con el niño dándole la brasa. Se encuentra con ciertas situaciones que muestran la Colombia profunda (sin guerrilla, por cierto) y nos las filma como si estuviésemos viendo las fiestas patronales de nuestro pueblo grabadas por la televisión local. A la media hora de película hay una secuencia de exagerada duración en la que vemos un duelo de cantores-acordeonistas bastante insufrible y debería haber sido suficiente para echarnos de la sala, pero no fue así. Seguramente este cine tiene su público. Algunos dirán que es cinema-verité o incluso se inventarán un término para etiquetar la película pero, desde luego, yo no me encuentro entre el grupo de admiradores de este tipo de películas que, desde la sinceridad, me parecen una auténtica pérdida de tiempo y de dinero. Volviendo a la pensión imaginé a Ciro Guerra, al que en mi fantasía le puse un ridículo bigote, recogiendo un premio al tiempo que dice "a mi los premios me dan igual", emulando a un viejo conocido de este blog...

El presidente Revilla con su acordeón

Ronaldo de joven dando la brasa

Con esto me fui a dormir (demos gracias que no me dormí en la misma sala) pensando que Jim Jarmusch me esperaba a primera hora de la mañana. Fue con The Limits of Control cuando me di cuenta que debía ponerme las gafas de pasta con urgencia para disfrutar del festival, pero esto ya os lo contaré en la siguiente entrada.

57 Donostia Zinemaldia

2009-09-17T16:02:00.000+02:00

En unos días partiré destino San Sebastián con motivo de la 57ª edición de su Festival Internacional de Cine. Parto con espectativas, por un lado; y con cierto disgusto, por otro.

Viajo disgustado porque llegaré a tierras vascas el lunes por la mañana, tres jornadas después de que el festival de su pistoletazo de salida con los ¡Malditos Bastardos! de Quentin Tarantino, la película que más me interesa del festival. Además, el arranque de la cita no es moco de pavo: además de lo último de Tarantino también estarán Whatever Works, de Woody Allen; Chloe, de Atom Egoyan; El baile de la victoria, de Fernando Trueba (preseleccionada para los Oscar por la Academia); El secreto de sus ojos, de J.J. Campanella; Taking Woodstock, de Ang Lee; Historia de un grupo de rock, de Juanma Bajo Ulloa; El lazo blanco, de Michael Haneke (Palma de oro en Cannes) o Yuki & Nina, de Nobuhiro Suwa e Hippolyte Girardot, entre otras muchas propuestas de igual o mayor interés. Todas ellas me las perderé. Snif.

Pero por detrás del disgusto aparecen las espectativas y la ilusión de poder ver otras propuestas que, a priori, parecen interesentes. De entre todas ya he subrayado algunas como imprescindibles: Get Low, de Aaron Schneider, un thriller con aires de western con Robert Duvall y Bill Murray encabezando el reparto; Los viajes del viento, de Ciro Guerra, un drama sobre un acordeonista con un estilo cercano al (documental) musical ; The Limits of Control, de Jim Jarmusch, estreno mundial del último film de uno de los indies americanos por excelencia; Un Prophète, de Jacques Audiard, sorpresa en la última edición de Cannes; Màscares, de Esteve Riambau y Elisabet Cabeza, codirigida por uno de los críticos más conocidos del país; Gigante, de Adrián Biniez, una comedia uruguaya cuyo trailer promete; La mujer sin piano, de Javier Rebollo, Carmen Machi dentro del particular universo Rebollo; Five Minutes of Heaven, de Oliver Hirschbiegel, un thriller del director de la intensa El experimento; When You're Strange, de Tom DiCillo, un documental musical sobre los Doors; Los condenados, de Isaki Lacuesta, el primer film puramente de ficción del director; Vengeance, de Johnnie To, duro thriller oriental; o El imaginario del Dr. Parnassus, de Terry Gilliam, película póstuma de Heath Ledger y fiel al estilo Gilliam.

En la maleta, a parte de ropa y víveres, no pueden faltar las dos gafas: las de pasta y las de cristales tintados. Me temo que voy a usar más las primeras que las segundas aunque teniendo a un ex-Monty Phyton, a un hongkonés amante de las pistolas y el rock de los Doors siempre hay esperanzas.

Sin embargo estoy convencido de que muchas de estas películas no las veré y, en cambio, caeré ante otras que me depararan emociones muy distintas a las que puedo esperar.

Le daré recuerdos de vuestra parte a Gandalf (Ian Mckellen), Premio Donostia en esta edición.

¡Nos vemos a la vuelta!

La estupidez del espectador medio

2009-07-30T23:05:00.000+02:00

Cuando un enfermo por el cine acude a una sala a ver una película -sea la que sea- convierte su visita en todo un ritual. El simple hecho de acercarse a la sala, comprar las entradas y sentarse en su butaca -incómoda, muchas veces- en medio de la oscuridad hasta que el proyector comienza a girar, proyecta el film y se apaga tras los títulos de crédito, es casi un acto místico.

Sin embargo, muchas veces, se encuentra con el estúpido espectador medio que parece empeñado en arruinarle el ritual por culpa de su ignorancia.

Hay veces que nada más salir de casa ya sabe que hoy va a ser un día de esos en los que la guerrilla se ha atrincherado en la taquilla del cine. Pero él, desde la resistencia cinéfila, le debe hacer frente como buenamente pueda.

El cinéfilo es listo y acude a la sala, sin que le importe en absoluto, un rato antes de lo que lo haría en circunstancias normales y, una vez salvado sin problemas el primer escollo, se acomoda en su butaca en medio de una sala todavía vacía.

Diez minutos antes de comenzar la proyección comienza el degoteo de gente que poco a poco se hace más intenso. La sala va llenándose poco a poco de familias al completo. Padres que llevan a sus hijos a ver la última película de "dibujos" en medio del caluroso y aburrido verano. Grupos de jóvenes que creen ser mayores pero que siguen disfrutando con películas "para niños". Y, los más irritantes, gente a la que su estupidez no le permite acudir al cine más que para ver los tres o cuatro estrenos anuales de animación porque "son bonitas o graciosas."

Comienza la película y... los niños, niños son. Se pueden esperar comentarios, risas a destiempo e incluso emociones en forma de gritos hacia los protagonistas pero lo realmente grave ocurre cuando un adulto se comporta de forma más infantil que el niño. "Es porque la magia del film ha hecho florecer el niño que lleva dentro", dirán algunos. Pero no, amigos, probablemente es porque este personaje no forma parte de la fauna en la que se encuentra y termina ocurriendo lo mismo que pasa al soltar una piraña en el río Ebro.

Estos despreciables seres no forman parte siquiera de los dos grandes grupos de gente que, según un viejo compañero -que se cree blogger pero no bloggea-, existen en una sala de cine: los que les gusta el cine y los que les gusta ir al cine. Estos no saben comportarse en una sala de cine porque probablemente no lo sabrán hacer tampoco en el comedor de su propia casa. Son personajillos que creen que sus comentarios hacen gracia al resto de la sala y se dedican a explicar o ir descubriendo claves de la película en voz alta y normalmente fuera de tiempo.

Mientras, el cinéfilo, desde su butaca, sueña con levantarse y vaciar un revolver sobre ellos emulando a Harry el sucio; partirles por la mitad con una sierra eléctrica como Leatherface; acuchillarles como a Marion Crane en la ducha del Motel Bates; pero en cambio, se queda quieto en su butaca, disfrutando del espectáculo porque muchas veces se encuentra con maravillas tan bellas, fascinantes, ricas, tiernas, trepidantes -por decir solo unos adjetivos- como Up.

Transformándome

2009-07-18T01:55:00.000+02:00

Esta tarde me he armado con mis gafas de goce y disfrute y me he acercado a ver la segunda parte de Transformers con la intención de complacerme con la cinefagia en su estado más puro.

Hace sólo unos días que vi la primera parte de las aventuras de los muñequitos de Hasbro en acción ¿real? y me sentí altamente decepcionado. Hoy me ha vuelto a pasar.

De lo que me podía esperar de las películas no he encontrado nada. ¿Entretenimiento? El justo, muy por debajo de lo que podría haber dado de sí una trama con gigantescos robots venidos de no se qué parte. No existen rasgos de un guión. ¿Efectos especiales? Sí. Todos. Pero eso no significa que sean buenos: los robots se transforman y se destransforman ante mis ojos sin saber muy bien cómo. No llego a descifrar qué está ocurriendo en pantalla durante el momento de la conversión del robot en vehículo o viceversa. Ni siquiera llegamos a impresionarnos ante ellos y convertirnos en esclavos de Darley, preguntándonos ¿cómo es posible? (léase The Dry Pack). No, nada de eso. La emoción dura cinco minutos, a partir de ahí más de lo mismo.

Sin embargo, pese sentirme decepcionado, hoy estoy un poco más optimista que tras ver la primera parte porque esta continuación me ha parecido superior a su antecesora. Puede que haya sido porque venía cauto desde casa pero al menos me ha dado algo más parecido a lo que buscaba.

¿Por qué no funciona una película con los Transformers? Puede que gran parte de la culpa la tenga su director, el mastodóntico Michael Bay.

Especialista en castillos de fuegos artificiales cinematográficos, Bay no parece acostumbrarse al estilo de cine que practica. A sus imágenes les falta fuerza, garra... y por muy violento que sea aquello que muestra en pantalla se queda siempre como un globo desinflado. Además, cuenta aquí con el apoyo en la producción de otro de los gordos de Hollywood, Spielberg, y la combinación resulta altamente peligrosa. Al comienzo de esta segunda parte de Transformers hay una secuencia de vergüenza ajena y huele muy mucho a Spielberg. En casa de Sam (Shia LaBeouf), se forma un desastre de los que hacen historia y el Transformer que guarda en el garaje escondido de los ojos de los vecinos (sí, ¿qué pasa? Yo también tengo uno...) parece comportarse como la resurrección en forma de robot de E.T. Ridícula.

Luego Sam va a la universidad, el personaje de su madre intenta hacernos reir inútilmente (como casi todo el humor de la película, puagh), aparece una lagarta (literalmente) que intenta poner celosa al personaje de Megan Fox y... a partir de aquí se anima el cotarro aunque caiga en una segunda parte de film en la que se limita a bombardear robots en medio del desierto mientras el pobre de Shia corre junto a su amada Megan para poder salvar el mundo. Pese lo que pueda parecer, es la parte más entretenida. Y Bay se defiende.

Podría seguir desmenuzando la película pero no lo voy a hacer. Sólo añadiré, oponiéndome a algunos comentarios, que dudo mucho que Bay sea un genio (y mucho menos un autor); que echo de menos las películas que Spielberg producía en los ochenta; y que Shia LaBeouf deberá demostrarnos que es un gran actor en otra película porque pasarse el metraje entero corriendo o hablando con un 3D no lo convierten en ello.

No quiero despedirme sin antes reseñar que el personaje de John Turturro, pese su inverosimilitud, es de lo mejor (y más gracioso de la película) y que Megan Fox está como un tren. Lo siento, tenía que decirlo.

Guerra Civil Cinematográfica

2009-06-30T02:10:00.000+02:00

De un tiempo a esta parte ha surgido una extraña discusión en torno al oficio del crítico. Casi cada revista especializada, blog o corrillo de cinéfilos y cinéfagos han hecho referencia en algún momento a la crítica cinematográfica en alguno de sus artículos o conversaciones.

Cahiers du Cinema España viene publicando desde hace unos meses artículos en torno a este tema con opiniones de todo tipo. Mr. Belvedere, en la Fotogramas de este mes, comenta que si no fuese por la crítica mucha gente no acudiría al cine a ver películas que, en principio, no le hubiesen llamado la atención.

Y esto son sólo dos ejemplos entre la multitud de textos que podemos encontrar.

Sin querer meterme -de momento- en cuál es la función de la crítica y sobre si se ejerce bien o no, creo que lo que se está creando es una especie de Guerra Civil -inútil, como siempre- entre gente -profesionales, críticos, aficionados- que deberíamos estar en el mismo bando.

Recuerdo cómo hace casi un año, Víctor Erice, José L. Guerín, Miguel Marías y otros firmantes, redactaron y/o apoyaron una queja contra el diario El País y su crítico Carlos Boyero. Para quien no esté al tanto, contextualizo: un grupo de cineastas, críticos o simplemente aficionados al cine -entre los que se encontraban los que acabo de nombrar-, apoyaron una carta enviada -y publicada- al susodicho periódico en la que mostraban su indignación ante su crítico tras las polémicas crónicas redactadas durante el Festival de Venecia. El País y su crítico, contestaron a las declaraciones y se montó una pequeña riña que derivó en algo parecido a una pelea de patio de colegio, con insultos infantiles de por medio -como aquello del "juglar del membrillo" (Boyero dixit)- y muy poco jugo de sus frutos.

Durante el último Festival de Cannes surgía de nuevo la polémica. Nuestro cineasta más internacional, Pedro Almodóvar, arremetía una vez más contra El País y Boyero. Aseguraba que el crítico perseguía metódicamente a su figura desde sus inicios, derivando las críticas hacia los insultos a su persona y ejerciendo su trabajo de forma parecida a cómo dos amigos comentan en un bar, frente a una cerveza, una película que no les ha gustado.

Razón no les falta. Ni a Guerín, ni a Erice, ni a Almodóvar ni... a Boyero y a El País. ¡Que no les suene contradictorio!

Un crítico no es más que una persona que, supuestamente, aplicando sus conocimientos en la materia expone su propio juicio -subjetivo, personal- ante una obra -en este caso, cinematográfica-. Cualquier artista que exhibe su obra en público está expuesto a este tipo de valoraciones.

Seamos claros: una mala crítica jode. Pero para eso estamos, para sufrirlas.

Por tanto, gente con tanta experiencia como Erice, Guerín u otros más recientes como Albert Serra o Isaki Lacuesta, que también firman indignados -junto a algunos nombres que a muchos de los lectores de este blog le serán familiares si repasan la lista-, no deberían patalear sino seguir con su cine. Son afortunados de poseer un estilo tan particular y una ideología cinéfila tan personal. No lo digo yo, lo dice la crítica -hay vida más allá de Boyero-. Quizás deberían, sencillamente, hacer caso omiso. ¿No recordamos ya aquello de "a palabras necias... oídos sordos"?

Boyero es un crítico que dice lo que piensa y, aunque las formas lo pierden, se manifiesta siempre de forma honesta sin verse obligado a defender productos que otros defenderían aunque se alejasen de sus propios principios.

El problema surge cuando se habla de él. Los contrarios a Boyero parecen no darse cuenta de que con sus comentarios no hacen más que alimentar el ego del crítico, prepararlo para nuevos ataques contra ellos y contribuir en el aumento de popularidad de la sección de cine de El País, porque... a día de hoy, ¿quién no conoce a Boyero? Sin embargo... ¿cuántos sabemos de la existencia de Carlos Reviriego, Ángel Quintana o, incluso, Oti Rodríguez Marchante?

Una crítica puede mostrar aspectos que tu -como espectador o creador- no habías percibido; te puede ayudar a elegir qué película ver el sábado; pero no podemos olvidar que quien la escribe es de carne y hueso, que su opinión no tiene por qué ser más válida que la tuya y, al final, lo que cuenta es el criterio personal de cada uno, personal e instransferible. Todos tenemos derecho a decir por qué algo nos gusta o cómo hacerlo. Y todos sabemos con quién juntarnos a jugar...

Así, uno puede disfrutar de En construcción o El sol del membrillo al tiempo que lo hace de Hable con ella o del cine de gente tan dispar como los Coen, Aronofsky, Sam Raimi, Cronenberg, Tarantino o incluso Jess Franco, Paul Naschy y Amando de Ossorio. O, por lo contrario, detestar todas y cada una de las películas que he nombrado y elegir otros ejemplos. ¿Por qué no?

Al final todo se reduce a aquella frase tan infantil a la vez que efectiva: para gustos, colores. Y aunque muchos no lo crean yo defiendo que todos tenemos nuestro público -incluso yo con este blog-.

No entremos en absurdas polémicas. Vivamos y dejemos vivir.

Larga vida al cine (y a la crítica).

El camino de los actores

2009-06-29T01:33:00.000+02:00

Seguro que todos, alguna vez, hemos estado viendo una película en la que no nos creíamos la interpretación de un actor. Hemos pensado "cómo sobreactúa", "que limitado está", "sólo tiene un registro" o, sencillamente, "no me lo creo".

Duele especialmente cuando el actor ante el que nos encontramos es uno de tus preferidos o, aunque no lo sea, se trata alguien que ha demostrado en numerosas ocasiones que es un actor respetable.

El ejemplo más claro de esto está en la televisión española y la cantidad de series -infumables la mayoría, si se me permite- que copan las parrillas de programación. ¡Cuántas veces hemos visto grandes actores interpretando horriblemente en la pequeña pantalla!

Pero esto tiene una explicación sencilla. La temporada de una serie tiene, pongamos, 13 episodios, que la cadena de turno exige para una determinada fecha. La serie, que cuenta con un presupuesto más bien bajo, tiene que poner en marcha su engranaje a toda velocidad, sin respetar la jerarquía ni el trabajo de los demás. Es como una cadena de montaje: a una determinada hora, tiene que estar terminado. Así, un plató o un exterior se construye rápidamente con una dirección de arte básica y una fotografía efectista. Puede funcionar. Los guiones se escriben -se sufren- a contrarreloj, llenos de trucos y trampas para enganchar a los espectadores, quedando muy lejos del verdadero talento que los guionistas pueden sacar. También puede funcionar. Y finalmente, los grandes perjudicados: los actores.

Reciben el guión horas antes de grabar las escenas. En el planning del día de un actor cualquiera, toca grabar la escena 8 del capítulo 2, la 16 del capítulo 4 y la 25 del capítulo 3. En la primera llora y no sabe por qué, en la segunda está en el hospital, pero no sabe exactamente qué ha pasado y en la última, corre una maratón junto a unos figurantes que no sabe de dónde han salido. ¿Qué puede hacer? Si es un actor con experiencia, interpretetar -igual que está escrito el guión o planteada la dirección de arte o la fotografía- de forma plana, efectista, con trucos. Y funciona, aunque por debajo de las posibilidades. Si es un actor con poca experiencia, va perdido. Y se crean monstruos.

¿Cómo se salva este escollo? Eligiendo un plantel cargado de caritas guapas, pechugas y tabletas de chocolate que tengan suficiente poder como para desviar la mirada de su espantosa interpretación.

Afortunadamente -algo bueno tenía que tener- esto también ocurre a la inversa. Me viene a la cabeza una película que pasó sin ton ni son por las carteleras españolas pese su celebérrimo director. Me refiero a El camino de los ingleses, de Antonio Banderas.

Si bien no es una gran película sí es de buena factura y esto se degusta al ver las interpretaciones de su reparto. Allí descubrí que Mario Casas, Fran Perea o Alberto Amarilla saben actuar. Y lo hacen con gran soltura. Son algo más allá de un ídolo de adolescentes con carpeta de la Superpop.

No quiero desconfiar de las nuevas generaciones de actores españoles pero, desde luego, con series como las actuales y otras tantas mentiras gordas y cerebros fugados no les estamos -ni nos estamos- haciendo un favor. Primero, aunque no venga a cuento, dejemos de malcopiar a Judd Apatow. Segundo, estoy seguro de que entre todos ellos hay gente con talento, pero el tiempo los colocará en su lugar. Mientras, esperaremos.

A mí l'Albert Serra...

2009-05-24T02:36:00.001+02:00

Han sido muchas las ocasiones en las que he estado a punto de actualizar el blog pero la pereza, la apatía o, simplemente, el hecho de no sentirme poseedor de algo interesante que contar me han echado siempre para atrás.

Hoy un señor llamado Albert Serra me ha hecho pensar, algo que en principio es bueno pero al final no tengo claro si lo es tanto. Les animo, escasos lectores, muchos de ustedes desaparecidos y convencidos de que jamás reaparecería, a que comenten y me ayuden a salir de mi estupefacción.

Después de muchos artículos de revistas, entrevistas en radio y televisión y conversaciones de sobremesa, Albert Serra es ya uno más de mi familia. Sin embargo, su cine -escaso, tan sólo tres films- era un completo desconocido para un servidor y puede que para muchos de ustedes.

Para contextualizarnos un poco: Albert Serra es un cineasta trasgresor catalán, un poco -mucho- marciano, que se ha situado con basante ruído en el panorama actual cinematográfico después de triunfar en Cannes con una adaptación muy personal de El Quijote llamada Honor de cavalleria y preestrenar en el mismo festival, aunque no con el mismo éxito, su última producción El cant dels ocells, una desmitificación de los tres reyes magos.

Ahora que ya nos hemos situado, volvamos al tema. Como decía, seguía siendo un gran desconocido ya que su obra es prácticamente inaccesible y su única película editada en dvd, Honor de cavalleria, se encuentra descatalogada.

Pero hoy, el atrevido programa de la televisión catalana Sala 33, ha programado la película sobre el famoso hidalgo y un servidor no ha dudado en postrarse ante el televisor. Para arrancar, como es costumbre, una conversación a modo de introducción del presentador con el propio cineasta en la que una vez más no ha dejado ver ni una gota de humildad . Hasta ahí bien, Albert Serra en estado puro. Después ha llegado la película...

Bien. No se si me ha gustado. Creo que no. Pero... ¿por qué? No hay motivos para que no me guste. Lo grave es que tampoco los hay para que me guste. Entonces, señor Serra, ¿para qué esta película?

Serra afirma que en ella hay una cuidada puesta en escena y decisiones importantes a nivel creativo y estético. Así, defiende que en algunos pasajes las escenas prácticamente no se ven porque trascurren de noche o los diálogos no se entienden porque los personajes están lejos del punto de escucha. En este punto no lo comparto. Creo que hay algún plano bonito pero entre un mar de planos poco o nada interesantes. Compararlo -y autocompararse- con Pasolini, Bresson, Ozu o Fassbinder quizá sea exagerado: gusten más o menos... ¡estamos hablando de pesos pesadísimos!

Además, hace hincapié en lo interesante que es la nada. Y aquí es donde yo quería llegar. En la historia de El Quijote nos cuentan sus hazañas pero no sus momentos vacíos, en los que no ocurre nada en absoluto y en esto es en lo que se centra Serra. Efectivamente, no nos podemos sentir engañados: nos da lo que nos dice que nos va a dar, es decir, nada.

Entonces, digo yo, si sabemos que no vamos a ver nada... ¿por qué decimos que no nos ha gustado si, precisamente, cumple todas las espectativas?

Hoy, el entrevistador Àlex Gorina, ha afirmado que hay gente que entiende a Albert Serra como una tomadura de pelo. El propio cineasta ha contestado "¿Por qué no?" y ha dicho que incluso películas como Simón del desierto de Luis Buñuel pueden ser leídas como una tomadura de pelo.

¿Nos tomamos muy en serio el cine cuando no siempre lo es?

En otro orden de cosas tenemos la figura de Albert Serra. ¿Es el Albert Serra que conocemos un personaje creado por el verdadero Albert Serra? Sin lugar a dudas es un tipo amante de la polémica, sin pelos en la lengua, que dice lo que tiene que decir sin importarle en absoluto lo que piensen los demás. Eso, por una parte, lo honra. Por otra, lo hunde. Como diríamos comunmente "la boquita le pierde". ¿No estaría el señor Serra mejor callado sin atreverse a afirmar que su película es tan buena que la gente no va a ir a verla porque se creen incapaces de entenderla? ¿Es acaso un reclamo para obtener más éxito?

Verdad o mentira. Realidad o ficción. Genio o sinvergüenza. El cine de Serra no deja indiferente. En otro caso estaría bien decir aquello de "o te gusta o lo odias". En este caso incluso esa pregunta queda sin contestar. Hagan un repaso al texto y observen: demasiadas preguntas abiertas. Termino con otra. ¿Es eso bueno para un cineasta?

¡He vuelto!

Alegría con indignación, mezclado pero no agitado, por favor!

2008-09-17T15:40:00.000+02:00

Ayer se hicieron públicas las tres películas españolas preseleccionadas de cara a los Oscar: Siete Mesas de billar frances, de Gracia Querejeta; Los girasoles ciegos, de José L. Cuerda; y Sangre de Mayo, de José L. Garci.

Aunque a la mayoría le ha creado indiferencia, yo me alegro.

El año pasado, El Orfanato se emcumbró como la candidata por parte de España a los Oscar y no consiguió nada. Este año ya lo vaticino: tampoco habrá película española en la gala de la academia yanqui. Pero me alegro.

No, no piensen mal. Soy un aférrimo defensor del cine español y lo seguiré haciendo, pero el hecho de que no haya ninguna peli española en los Oscar es síntoma de que en el cine español, salvando los obstáculos obligatorios, se hace (más o menos) lo que se quiere.

Dejemos de lado Almodóvares y Amenábares: podemos presumir de que el año pasado nos representó una decente película de "género" (observen las comillas) y que este año, la peli de Querejeta o la de Cuerda son proyectos de los que sus directores se sienten orgullosos, gusten más o menos (no las he visto y no voy a opinar). Pero lo que realmente me alegra es que no estarán en los Oscar porque:

A) No son películas moralistas de las que les gustan a los yanquis

B) Están fuera de la onda del cine europeo.

A priori, eso es negativo, pero a un servidor ya le tocan los huevos películas sobre ciudades de Sylvia (con "y", evidentemente, un director con boina y gafas de colores no puede ser convencional) o de pianos de Bach. Los Zunzuneguis o Gubernes de turno me querrán quemar, pero a la hoguera con ellos.

Puede que se haga mucha mierda, pero se hace la mierda que se quiere. ¿No se hace mierda en Europa o en EEUU? Y muchas de esas mierdas llevan la etiqueta de Indie, de in-to-ca-ble.

Es de la filosofía de "cada uno hace lo que les sale de las pelotas" y por eso me parece bien que Guerín y Erice lo hagan, pero que no se les considere pseudodioses por hacer una película cada mil años y ser un film que marque tendencias, porque mola decirlo, porque lo dicen los Cahiers...

Y la parte de indignación viene por Garci (sí, lo que acabo de decir era la parte de alegría).

No entiendo como un crack (valga el chiste) que ha hecho grandes pelis (sí, alguna hay) vaya año tras año preseleccionado, la mayoría de veces sin haber estrenado. ¿No huele esto a tongo?

Un hombre que renuncia a la Academia, que echa pestes sobre el cine de sus compañeros y que no tiene los santos huevos de aparecer para entregarle el goya honorífico al gran Alfredo Landa, no se merece una puta mierda. Desde mi humilde opinión... Oye, que igual Sangre de Mayo es una puta obra maestra y me tengo que comer mi propia verborrea chabacana, pero espero que sea así y me reconcilie con Garci.

Señores, esto es la guerra.

He dicho.

El día que murió Pink Floyd

2008-09-15T21:49:00.000+02:00

Hace tiempo que no actualizo. Estoy apático y sin ganas de escribir pero no puedo pasar por alto una fecha como hoy.

Ha fallecido, víctima de un cáncer, Rick Wright, teclista y miembro fundador de Pink Floyd, y con el, parte de una de las bandas de rock más importantes de la historia de la música.

Hace unos años fallecía Syd Barrett, miembro fundador de la banda y su primer vocalista, que terminó dejando la banda víctima de su propia locura. Tras su marcha, la banda comenzó a tomar caminos distintos al que habían llevado hasta esa época y llegaron a ser los Pink Floyd que a día de hoy todos conocemos.

Rick siempre jugó un papel importante en la banda y se convirtió junto al otro Rick de la época, Rick Wakeman, en uno de los mejores teclistas de rock progresivo.

Tras las complicaciones internas en Pink Floyd, Rick se mantuvo al margen e incluso llegó a abandonar la banda, pero se reincorporó años más tarde a petición de sus dos compañeros, David Gilmour y Nick Mason. De este modo, volvió a los directos de la banda en el 88 y en la gira que dio origen al PULSE, último álbum del grupo. Apoyado por Jon Carin, Rick siguió rindiendo al nivel que nos tenía acostumbrados.

Grabó sus discos en solitario, pero siempre se le recordará por sus trabajos con Pink Floyd.

Hace poco se comentó una reunión de la mítica banda, pero ahora seguro que ya no es posible. Porque la mesa tiene cuatro patas y una de ellas era Rick Wright.

Haciendo uso de una canción suya, no queda más que decir:

"I'll see you on the dark side of the moon"-

Tan solo dos años atrás todavía salió de gira con su compañero David Gilmour y nos deleitaron con una estupenda versión de Echoes, tema en el que Rick juega un papel muy importante. Con ello les dejo.

Cerrado por rodaje

2008-07-22T15:05:00.000+02:00

Desde hace unas semanas y hasta de aquí unas cuantas más tengo mi cabeza ocupada en sacar adelante un proyecto cuya evolución se puede seguir aquí.

http://www.waccafilms.blogspot.com/

Para mis pocos lectores, prometo volver cuando todo acabe.

Cocktail Molotov

2008-06-24T13:37:00.000+02:00

Siempre había sido un chico con muy poca confianza en sí mismo. Las distintas hostias que la vida le había dado no le habían servido más que para perder todavía más confianza en sus acciones. Pero ahora estaba enamorado, había olvidado todos sus resquemores y sólo pensaba en ella. Quería decirle que la quería pero no se atrevía, aunque esta vez no era por temor sino porque la quería más de lo que se sentía capaz de expresar.

Se guardó sus sentimientos durante tanto tiempo que el amor, que es traicionero, se apoderó de él, manipulándole y controlando todos y cada uno de sus movimientos y acciones. No era él quien actuaba, era el amor que tenía por aquella chica.

Su estado mental se degradó, ya no era el mismo en el trabajo, sus amigos le notaban extraño y cambiado, apenas salía de casa. El amor ya no era una sensación agradable, ni siquiera un dolor de cabeza llevadero, era una gran carga que no podía soportar.

Una noche, tras varias semanas encerrado, decidió verse con ella con la intención de decírselo, de vencer a su interior y descargarse del peso que el amor le suponía. Antes de salir, se miró al espejo y no se reconoció: no cabía en sí mismo, pesaba el triple que hacía unos meses.

Llegó al parque en el que se habían citado y al llegar al banco en el que se solían ver ella no le reconoció. Incluso sintió miedo al verle. Él, sin embargo, notaba como su amor intentaba controlarle de nuevo, evitando escapar de aquel cuerpo del que se había apoderado. Empezó a tambalearse, sus brazos parecían bailar descompasados una melodía intensa producida por un ataque de tics nerviosos. Sintió arcadas y comenzó a tener problemas para respirar. Ella no sabía que hacer ante tal situación. A él, sus ojos, parecían quererle salir de sus órbitas pero tan solo un grito desesperado salía de su boca. Su panza se movía cual alegre gelatina, de forma poco lógica, al margen de los espasmos que hacían que su cuerpo se revolviese por el suelo. Finalmente, pudo gritar “te quiero”, al tiempo que su cuerpo estallaba y llenaba de vísceras el cuerpo de su amada, esparciendo todos y cada uno de los trozos de su corazón sobre el bello rostro de la chica que, ahora, manchado, mostraba de forma inequívoca el amor verdadero que él sentía por ella.

Al caer la noche

2008-06-01T22:01:00.001+02:00

Siento que el día se ha dado la vuelta. Mis noches se han convertido en día y mis días se han convertido en noche. Vivo de noche.

Todo empezó cuando el mundo se confabuló contra mí. No tenía capacidad de concentración y mis escritos eran todos una auténtica basura. No podía sacar de mi mente aquellas estúpidas voces repitiendo las mismas frases una y otra vez. “Lo sentimos señor, pero no cumple los requisitos para entrar en la empresa”. “Agradecemos su visita pero tenemos gente en cartera con más aptitudes que usted”. “Jonnhy, he conocido a alguien maravilloso, se llama Paul. Es antropólogo”. ¿Antropólogo? ¿Para qué demonios sirve eso? No tengo ni idea ni tampoco me importa, pero supongo que es más interesante que la vida de un escritor de novelitas en paro cuyo mayor éxito ha sido publicar un asqueroso relato en una guía de televisión en el mes de agosto. ¡A tomar por el culo todos! Pero claro, eso es fácil decirlo ahora.

Poco a poco me fui dando cuenta que abstraía mejor mis pesares y sacaba más jugo a mi cerebro cuando caía el sol, así que me refugié en la noche, convirtiéndola en mi mejor aliada. Me pasaba el día durmiendo y salía sólo cuando era imprescindible. Incluso dejé de ver los rayos del sol. Cuando despertaba, la calle ya estaba oscura y en los días que todavía quedaba algún destello allá a lo lejos, me sentía incómodo y en ocasiones un fuerte dolor de estómago se apoderaba de mí llegando incluso a inmovilizarme. Me había acostumbrado a las tinieblas.

Conforme pasaba el tiempo mi novela iba satisfaciéndome más y más. Hasta llegar a aquel maldito capítulo. Me estanqué y no puedo seguir. Me siento con mis folios y mi estilográfica pero no me salen las palabras. Tengo toda la puta historia en la cabeza pero no puedo escribir. No puedo aprovechar mi inspiración que venida de la nada acude a visitarme en forma de musa, porque del mismo modo que fui bendecido con ese don, también fui condenado a sufrir una sed de sangre que cada noche he de saciar y progresivamente se hace más y más insoportable.

Sin salida

2008-04-30T11:10:00.000+02:00

Estoy atrapado y temo que esta vez no tengo escapatoria.

Hay hombres que lo primero que miran en una chica es su culo. Otros prefieren sus tetas. Hay algunos raros que miran sus labios, sus orejas, su nariz o incluso su espalda. Pero a mí me conquistan con la mirada. Una mirada bien lanzada me mata, me tumba. No es necesario que esos ojos sean verdes o azules, que por lo general llaman más la atención. No. Una buena mirada la pueden lanzar unos ojos de cualquier color y forma.

Ella me lanzó una de esas miradas una tarde cualquiera de aquel invierno. Fue después de comer, sobre las tres y media, cuando la gran multitud ya se había ido a casa o a seguir con sus trabajos. Levanté la cabeza, aburrido por la conversación de mi compañero, y mientras barría con mis ojos toda la estancia, mi mirada se cruzó con la suya, tres mesas más hacia el fondo del salón. Aquella mirada me pareció preciosa y hubiese estado horas y horas contemplándola pero sólo coincidimos unos pocos segundos. En medio de aquél momento mágico, mi acompañante me devolvió al mundo real recordándome que llegábamos tarde a clase. Recogimos nuestras cosas y nos marchamos.

A los pocos días, nos volvimos a cruzar y no pude resistirme a mirarle de nuevo directamente a los ojos. Esto ocurrió dos, tres, cuatro veces. La quinta vez no me atreví a hacerlo. Le vi llegar, acercarse hacia donde yo estaba mientras hablaba con otras chicas, con gran naturalidad. Sonreía y gesticulaba con sus brazos. Cuando le tuve delante, agaché mi cabeza y no tuve valor a mirarle pero tuve la sensación de que sus ojos habían buscado los míos sin encontrarlos. Es una duda que siempre tendré.

La racha terminó y la tuve perdida durante un largo tiempo. Hasta aquella maldita noche. Allí estaba ella, apoyada en la barra de aquel bar. Yo llevaba unas copas de más. Posiblemente, en estado ebrio jamás me hubiese acercado, pero aquel día lo hice.

¿Cómo te llamas? Le pregunté. Iris, me contestó. Al tiempo que me volvía a lanzar una de esas miradas únicas, esta vez acompañada de una bella sonrisa. A partir de ahí no recuerdo nada más hasta la mañana siguiente. Me desperté con un terrible dolor de cabeza en una habitación que no era la mía. No podía creer que hubiese salido victorioso en mi intento de conquista y quise sonreír pero no pude. Intenté girarme para ver a quién tenía al lado pero mi cuerpo no respondía a mis órdenes. Las piernas empezaron a funcionar solas pero no las notaba. Se que estaba descalzo y me había levantando pero no era capaz de notar el frío suelo. Entonces me percaté de que tampoco era capaz de percibir ningún sonido ni ningún olor. La vista parecía mi único sentido activo. Comencé a andar, como si alguien lo hiciese por mí, hasta llegar a un cuarto de baño. Justo delante del espejo me detuve y definitivamente supe que no era yo quien se había levantado de la cama ni tampoco quien se había detenido allí. Ante mí, tenía el reflejo de aquella hermosa mirada una vez más. Estaba contemplando su mirada a través de ella misma. A través de aquella mirada que atrapa supe que estaba atrapado de verdad. Atrapado dentro de ella. Por siempre. Para siempre.

Foto: Ángela Ortega

Astenia

2008-04-25T01:24:00.000+02:00

Odio cuando cambian la hora y los días duran tanto.

Odio el jodido sol de mediodía que te deshace como a un vampiro y que te obliga a entrecerrar los ojos en cuanto te expones a él durante más de un minuto.

Odio los estornudos que producen los campos floreados.

Odio la primavera.

Pero aunque sepa que no es así y suene a contradicción, las noches de primavera son más largas que las de invierno.

Esperando el verano (para que pase rápido).

De regalo un corto: TRANCE de Toni Castelló

2008-04-15T21:13:00.000+02:00

Hace días que no actualizo y tampoco tengo tiempo (ni ganas) de escribir así que voy a robar el trabajo de otros para crear esta entrada del blog.

Os dejo, en dos partes, el cortometraje del colega y compañero de fatigas y utopías cinematógráficas Toni Castelló (Fili). Un corto que tardó años en llegar y que personalmente esperaba con gran ansia. Podéis dejar comentarios idolatrándolo, piropeándolo, lapidándolo o enviarle cabezas de caballo directas a su cama (Fili es cinéfilo y hasta le haría ilusión) o si queréis decírselo directamente a él, podéis visitar su blog www.lagorditadeohio.blogspot.com

Os dejo con Trance. Si no os gusta, siempre os podéis quedar con que salen tetas.

PRIMERA PARTE

SEGUNDA PARTE

Bucle

2008-04-06T01:55:00.000+02:00

Subía y bajaba las escaleras pero siempre estaba en el cuarto piso. Aquel maldito tramo entre el cuarto y el quinto piso era realmente entre el cuarto y el cuarto piso. Llegó a pensar la absurdez de que algún vecino con sentido del humor había cambiado todas las placas de las plantas por las del cuarto piso, pero al asomarse al hueco de la escalera, se dio cuenta de que siempre estaba a la misma altura, que no avanzaba. Hoy solo tenía ganas de llegar a casa y el caprichoso azar no le dejaba estirarse en la cama y intentar ahogar la patética jornada que Dios le había brindado.

Era un jodido bucle del que no sabía como salir. Paró y llamó al timbre de una de las puertas de la planta, que se abrió sola, dándole paso de nuevo al rellano de la cuarta planta, solo que ahora la puerta no estaba delante de él sino a sus espaldas.

Intentó subir y bajar el piso una vez más pero siempre volvía al cuarto piso. El móvil, pensó. Sin dudarlo buscó el número de su compañero de piso en la agenda y dio a la tecla de llamada.

- Estoy atrapado y no se cómo salir
- ¿Qué dices? Mira, lo siento, ahora no puedo ayudarte, tengo cosas que hacer.
- Sólo tienes que asomarte, joder.

Tras un pequeño silencio escuchó por el auricular de su aparato cómo su compañero abría la puerta de su piso.

-¿Dónde estás?
- En el cuarto.
- Pero asómate.
- Estoy asomado y tampoco te veo.
-Tío, aquí no hay nadie, ¿a qué juegas? Tengo mucho que hacer, no estoy para chistes.

Y colgó.

Lo intentó con su mejor amigo, con su padre, que vivía a escasas manzanas de donde se encontraba y hasta con una antigua novia de la que hacía mucho que no sabía nada, pero todos estaban ocupados.

Le pareció eterno el tiempo que había pasado desde que se había acurrucado sobre un escalón tras sus fracasadas llamadas de auxilio. Ningún vecino había salido de su hogar, tampoco nadie había entrado por el portal, que se veía cuatro plantas más abajo por el hueco, ni tan siquiera había escuchado el ruido de unas llaves amigas algunos pisos más arriba o abajo, algo que hubiese sido más que lógico teniendo en cuenta que en esa finca deberían vivir aproximadamente 32 familias. Fue entonces cuando cayó en la cuenta y miró el reloj de su móvil. Las 18.21 minutos. Miró la hora a la que había llamado a su compañero: las 18.21 minutos. La misma hora a la que había llamado a su mejor amigo, a su padre, a su exnovia y al resto de personas en las que había buscado ayuda. Miró fijamente su segundero y cuando llego a los 59 segundos, volvió a comenzar su cuenta en las 18.21 minutos.

Con una mezcla de pánico y odio lanzó su móvil al vacío, a través del hueco de la escalera. Según la lógica, el teléfono debería haberse hecho añicos nada más tocar el suelo, sin embargo no había escuchado ningún estridente ruido que se lo indicase. Se asomó y no había rastro del móvil. Fue entonces cuando lo vio claro.

Tres. Dos. Uno. Se precipitó al vacío, cerrando los ojos y sin saber donde iría a parar, pero eso le preocupó menos que vivir eternamente en las 18.21 minutos de aquel desastroso miércoles de junio.

Shock

2008-03-27T02:33:00.000+01:00

Vivo aislado del mundo. Llevo dos días en los que no me entero de la película. No he visto las noticias, ni he leído los periódicos. Ahora se me ocurre dar un vistazo por la red, a las 2.34h de la madrugada y... ¡ME CAGO EN LA PUTA! Se ha muerto Rafael Azcona.

Quizás me llamen ignorante por no haberme enterado todavía o quizás no sepan quién es Azcona y en ese caso les llamo ignorantes yo a ustedes.

Azcona es un dios del guión y siempre lo será. Gran escritor de películas, no solo a nivel nacional sino a nivel internacional. En la memoria quedarán películas tan grandes como en las que acompañó a los grandes Berlanga o José L. Cuerda.

Rafael Azcona era EL guionista, inspirador inspirado, gran influencia y fuente inagotable de recursos.

Mamá, de mayor quiero ser Azcona.

Un merescut record

2008-03-11T11:59:00.000+01:00

Me perdonarán mis lectores "castellanoleyentes" pero hoy quiero salir de mi habitual escritura en castellano y de mi usual personaje pedante para hacer un pequeño y personal homenaje.

Fa aproximadament dos anys, per aquestes dates, era poc abans de falles, va ocórrer una cosa que em va marcar profundament. I no només a mí, sinó a moltíssima gent relacionada d'una manera directa o indirecta amb el món de l'espectacle valencià.

Amb només 28 anys ens deixava un gran artista i gran amic. M'estic referint a Ramón Batalla. Persona relacionada amb el teatre valencià, a la companyies importants com ara Visitants o la companyia de Teatre El Micalet; vist a espectacles tant de sala com de carrer, com el Ballant, ballant o Viatgers; i al petit format del café-teatre amb els seus companys Amparo Oltra i Paco Trenzano. Justament amb ells va ser quan el vaig conèixer. Allà interpretava mil papers en un espectacle que feia homenatge als antics cabarets i shows de "varietés". Ramón donava vida des d'un cantaor flamenc fins a una vedette, sempre amb l'humor que el caracteritzava. A tots ens feia riure, tant dalt com baix de l'escenari.

Desgraciadament no el vaig arribar a conèixer tant com haguera volgut però vaig tindre la fortuna de poder dirigir-lo en un curtmetratge. Un curt que no va poder tindre la sort de veure, però en el que vam poder gaudir d'un rodatge d'allò més divertit. Encara que 3º derecha (que és com es deia el curt) fora un thriller violent i dur, Ramón era una d'eixes persones que ens treia a tots de la carregant atmosfera per fer-nos riure.

No vull allargar molt més açó ni posar-me més melancòlic, simplement volia que la figura de Ramón no s'oblide i fer-li un menut, encara que especial, homenatge a la seua figura.

Segur que estiga on estiga, com molts vam coincidir en dir, estarà fent riure algú conforme ens ho feia a nosaltres. Em quede amb aquella frase seua, després d'una calorosa i dura vesprada de rodatge: "Jo no he nascut per a actor, he nascut per a cabaretera".

Per sempre Ramón.

Desde la estupefacción

2008-02-24T02:33:00.000+01:00

Les escribo desde la estupefacción. No, no es una parada de tren ni de metro, es el estado en el que me encuentro recien llegadito del visionado de No country for old man, de los hermanos Coen. Febrero era prometedor y ahora les puedo asegurar que es grandioso.

La semana pasada fui a ver Sweeney Todd, y se ha convertido en la polémica de la semana. Mi compañero Freaky hasta la muerte la recomienda encarecidamente (homenaje a Pavía) en su blog y yo no voy a ser menos. Vayan a verla, aunque luego la pongan a parir. Mucha gente me ha dicho ya que no tengo critero por hablar bien de ella e incluso me han animado a coger unas cuchillas como las de Benjamin Barker y metermelas por el orto. Otros sustentan sus críticas, aun sin verla, preguntándome si el Sr. Burton ha dirigido alguna película en la que sus actores no tengan la cara de color blanco.

Yo solo les diré que Tim Burton nos da una nueva lección sobre lo que es el universo Burton, sea comedia, sea drama, sea terror o sea un jodido musical. Odio los musicales pero Sweeney Todd es, con permiso de The Rocky Horror Picture Show, un gran espectáculo. Toda la película es una sinfonía, a menudo pobre lo reconozco, pero bien orquestada, bien interpretada, con una imagen potentísima. No digo que sea la mejor película del director y quizás me ocurra como en Big Fish, que su primer visionado me parezca increible pero que no aguante un segundo pase al mismo nivel. De momento se la recomiendo y ojalá acudan al cine sin tener demasiado claro lo que van a ver. Y a todos aquellos que no les guste su historia les animo a que lean, salvando las distancias, Romeo y Julieta o Hamlet y comprobarán que no es la historia en sí sino la forma de contarla (Shakespeare, perdóname, es solo un ejemplo.

Hoy ha llegado el turno de No es país para viejos. Antes de entrar a hablar de la película lanzo al aire una pregunta: ¿Ya han sacrificado al que se le ocurrió traducir así el título de esta película?.

Los Coen se visten de gala y firman una de sus mejores películas. No es ya Bardem, son todos. Todos y cada uno de los jodidos detalles de la película. Desde Tommy Lee Jones hasta el señor o señora que pasó la gamuza por encima de la mesa de los cafés para quitar el polvo. Es una película cuidada al milímetro y ese trabajo se refleja en pantalla. Su historia no es complicada y relata solo un fragmento de lo que realmente ocurre. Me explico: todo comienza con la acción ya en marcha y termina sin que la acción culmine. Pero no importa porque a lo largo de la película empatizas con sus personajes y entras de lleno en sus vidas. Esto puede provocar que mucha gente salga del cine diciendo que no ha entendido gran cosa o que es una película rara pero es que no hay nada más para entender que lo que sale en pantalla. También habrá quien diga que en dos horas de película no ocurre nada, pero se trata de entrar o no entrar en el juego. Si aceptas las reglas que los Coen te proponen, jugarás una gran e inolvidable partida.

Lo vuelvo a decir: los Coen nunca han sido taquilleros, pero tienen un grupo más o menos nombroso de seguidores. La gente que vaya al cine porque sale Bardem, por regla general saldrá decepcionada.

La última de las películas (y la primera que vi) es Juno. Bien, con esta no me explayaré tanto, no es ni mucho menos una gran película. No llega a la altura de las otras dos que he nombrado. Pero te hace pasar un buen rato, entretenido y riendo con humor inteligente. Con humor inteligente quiero decir que si esta película hubiese tenido un humor más vulgar y corriente no estaríamos hablando de Juno sino de American Pie. Vamos, ya lo dije, Lío Embarazoso para Gafapastosos Chaquetopanescos. Podría haber sido mucho mejor película, pero bueno, yo la disfruté.

El otro día me telefoneó Rajoy

2008-02-09T14:17:00.000+01:00

¿Y qué tiene que ver esto con cine? Quizá se lo esten preguntando. Yo también me lo estoy haciendo, pero es que he estado pensando que puede que sea interesante que la pendatería bloguera se extienda hacia otros campos que no sean el cinematográfico, el televisivo o el musical.

Supongo que muchos de ustedes también habrán recibido la llamada del líder de la oposición, Mariano Rajoy, y es que todo esto forma parte de una campaña (aunque se empeñen en decir que estamos en precampaña) del Partido Popular para todos sus "fieles seguidores" de la red de redes.

Es tan sencillo como entrar en wwww.tupropuestaen30segundos.com . Introduces tu número de teléfono, tu nombre y tras contemplar un carismático vídeo en el que el Sr. Mariano y sus secuaces interpretan de tal forma que si los miembros de la Academia de Hollywood viesen su actuación, Bardem no se llevaría el Oscar, el Sr. Mariano dice "Falta alguien en esta reunión" y aparece tu nombre en una lista al tiempo que suena tu teléfono. Al descolgar, evidentemente, nos encontramos con una grabación panfletaria del presidente del Partido Popular. "Hola soy Mariano Rajoy, ¿dónde te has metido?" ¿Pero quién le ha dado confianza a este señor?

Yo no introduje ni mi nombre ni mi número de teléfono. Per alguien lo hizo por mí. Y por lo que he oído parece ser la broma de moda. Algún querido amigo o enemigo suyo hace que Don Mariano le llame. Imagínense la estupefacción que me creó descolgar una llamada anónima y encontrarme con el líder cósmico del PP.

Como soy un hijo de puta, no pude resistir la tentación de introducir el número de algunos conocidos míos para que fuesen telefoneados, pero ¡qué sorpresa! Rajoy no podía seguir llamando porque estaba cansado, llevaba más de 100.000 llamadas. Hagamos un cálculo rápido: echemos un tanto a cada llamada, digamos 10 céntimos y multipliquemos esta cantidad por el número de llamadas. Eso nos dará la pasta que se ha gastado el PP con esta campañita que tan solo ha servido para que los freaks cibernéticos nos puteemos entre nosotros.

Yo propongo desde aquí que esta campaña se lleve a cabo por otros partidos. Que nos cuenten lo que nos tengan que contar, pero en directo, sin llamadas telefónicas. Que el PSOE nos invite a café (cortado o bombón que también entren, pero carajillo y café con leche que se pague la diferencia), que Izquierda Unida se pague una ronda de chupitos y Carod-Rovira unas tapitas de calamares, chipirones o bravas (no pidan pulpo que es más caro y la economía no va bien). Seguro que si hacen esto, el PP y sus habituales pataletas celosas, nos invitan a un menu de bar de barrio.

Y es que no hay nada como una buena conversación absurda mientras tomas algo en la barra de un bar o cafetería.

Febrero prometedor

2008-01-31T19:37:00.000+01:00

Si mi compañero Freaky hasta la muerte asegura que la gente de Filmaffinity le lee e incluye en su base de datos las propuestas que él hace, ¿qué puedo decir yo después de que Vigalondo encuentre, dos días después de mi post, distribución en España para su película? Hecha la gracia, pasemos a temas serios, no sin antes agradecer al amigo Dani Lebowsky su labor de recadero informándome de la buena nueva.

Hace un mes ofrecía un repaso sobre lo que se nos viene encima este año, pero he decicido que quizás es más interesante desgranar mes a mes la cartelera cinematográfica.

Febrero es el mes de Sweeney Todd (15-F), la película del barbero asesino con Depp y Burton a la cabeza; y el mes de No country for old men (8-F), con el premiadísimo (y cada vez más) Javier Bardem como malo malísimo. Ambos trailers ya los pudimos ver aquí y, volvemos a decirlo, esperemos que no nos decepcionen.

¿Nos jugamos algo a que la gente acude en masa a las salas a ver la última de los Coen cuando estos nunca han sido unos directores taquilleros en España?

Pero además de esto, llegan otras propuestas que no podemos dejar de lado. EL dia 1 vuelve Rambo. La tontería del mes. No digo que sea una mala película, porque no la he visto, pero parece que Stallone comienza a sufrir la vejez y tras recuperar a Rocky hace unos meses solo le queda volver a meterse en la piel de Cobra o hacer una secuela de Alto o mi madre dispara. Desde aquí le animo, con todo mi cariño.

El mismo día se estrena Juno, una comedia indie con cuatro nominaciones a los Oscar en la que una joven de 16 años se queda embarazada. Poco más se sabe de esta película que llega un poco de rebote y con la sorpresa, para muchos, de sus nominaciones para los premios de la Academia de Hollywood. A priori, parece una versión para gafapastosos de la alocada Lío emabarazoso. Ya veremos.

Y también el día 1 llega Monstruoso, una película que ha llegado sin llamar a la puerta y con la que nos bombardean en televisión mostrándonos unas imágenes grabadas camara en mano y una Estatua de la Libertad sin cabeza. Solo por esto merece una oportunidad.

La siguiente semana, el dia 8, junto a Bardem y los Coen, llega la adaptación de cómic 30 días de oscuridad, producida por Sam Raimi, una historia con un Josh Hartnett perseguido por una horda de vampiros hambrientos de sangre. No he leído la novela gráfica pero me la han recomendado alguna vez. ¿Será esta una de esas adaptaciones que merecen la pena o por lo contrario será un truño de campeonato?

El día 15 se estrena Pozos de ambición, lo último del celebrado Paul Thomas Anderson (Magnolia, Boogie Nights), película que me dejé en mi anterior repaso y por lo que fui penalizado por un avispado lector de este blog. Hoy te dedico el trailer.
Viene avalada por la crítica yanqui y dicen que Daniel Day-Lewis está enorme, aunque yo creo que siempre lo está. Desde aquí apuesto por él en los Oscar, igual que apuesto por el sr. Bardem. Dicho queda.

Y además de todo esto, llega lo nuevo de Asterix y Obelix, lo último de Ken Loach y un film español de género, titulado Km. 31, pero estos trailers mejor los buscan ustedes si les apetece. Vayan al cine, no porque digan que este año hemos ido 20 millones de espectadores menos sino porque esas copias screener infames que ruedan por la red dan náuseas tan solo de pensar en ellas. Al fin y al cabo, una entrada al cine cuesta lo mismo que un cubata y ya que éste último se lo ahorran con los botellones, les sobra dinero para invertir en cultura.

¡Pero qué ven mis ojos!

2008-01-21T20:50:00.001+01:00

Sabía que llegaría el día en el que me pondría a hablar de remakes. En cada uno de los posts que he escrito hasta ahora he hablado de ellos. Era como un preámbulo del día de hoy. También sabía que el día en que hablase de los remakes no sería para bien. Suponía que me ensañaría con alguna película de la cual saliese indignado de su visionado. Nada de eso.

Hoy he leído en El País que la opera prima de Nacho Vigalondo (director del excelente cortometraje "7:35 de la mañana", nominado al Oscar hace un par de años) va a tener su remake norteamericano. No me enfado por esto, desde luego. Es todo un lujo que los productores americanos se fijen en productos españoles para rehacerlos a su manera. Ya en su día ocurrió con Abre los Ojos y su infame remake (por no llamerle copia) Vanilla Sky. Este año se han comprado los derechos de El Orfanato (que al mismo tiempo se proyecta con éxito en EEUU) y REC, cuyo remake "Quarantined" ya ha terminado la fase de rodaje.

Nacho Vigalondo

Muchos se estarán preguntando "No he visto los Cronocrímenes, no se qué tal es". Quizás algunos incluso digan "No he oído hablar de los Cronocrímenes". Y es que, señores y señoras, esta película a día de hoy y tras meses terminada su postproducción NO TIENE DISTRIBUIDOR EN ESPAÑA. O lo que es lo mismo: si no vamos a un festival donde se proyecte, no la vamos a ver.

Los yanquis no se han caracterizado nunca por su gran labor haciendo remakes pero si que han sabido escoger grandes películas para volverlas a contar. En cambio, aquí, en muchas ocasiones tiene preferencia una película que en EEUU se ha lanzado directamente en DVD o para televisión sobre un film de un joven director español por el simple hecho de ser española. O lo que es aun peor... recordemos films como El "Equipo Ja" o "Desde que amanece apetece", de producción española y distribuídos sin problemas. ¿Dónde está el criterio? Después algunos dicen eso de que el cine español es basura y a juzgar por algunas cosas que se ven, a veces hay que darles razón.

Pero este no es el único caso ahora mismo. Hay muchos films en la misma situación que el de Vigalondo. Sin ir más lejos, el caso de Luiso Berdejo. Realizador aclamado por sus cortometrajes (La Guerra, For(r)est in the Des(s)ert), fue seleccionado en Cannes 2006 por su film "The Quagmire" (nada que ver con el personaje de Padre de Familia). Estamos a enero de 2008 y no hemos podido ver su película en salas, en cambio los yanquis ya le han ofrecido un nuevo proyecto con nada menos que Kevin Costner a la cabeza.

Luiso Berdejo

Como curiosidad añadiré que todo remake de film español hasta la fecha ha sido de una película de género y que las dos películas que he nombrado también lo son. Cada uno que saque sus propias conclusiones.

¡¡Ciencia-ficción al poder!!

2008-01-11T21:24:00.000+01:00

Hoy es uno de esos días en los que te sientes obligado a actualizar el blog porque ya hace mucho que no escribes nada. Lo grave es que no sabes de que hablar. De hecho, estoy escribiendo estas líneas mientras hago tiempo para ver si se me ocurre algo que poner.

Podría hablar sobre Soy Leyenda, que la vi ayer, y las dos versiones anteriores de la novela de Matheson pero no me apetece…

Lo que si que me apetece, ya que la película anteriormente citada se engloba dentro del género de la ciencia-ficción, es hacer un alegato en defensa de este género tan menospreciado por el público general.

En numerosas ocasiones he pensado que a un joven aprendiz cinéfilo no puedes hacerle amar el cine proyectándole cosas como El Nacimiento de una Nación o Metrópolis (no digo que no sean obras maestras, no me quiero meter en eso), porque lo más probable es que huya a las primeras de cambio y diga eso que tanto temen los historiadores del cine: el cine clásico es una mierda. Con la ciencia-ficción pasa lo mismo. Pero me gustaría acercar unos cuantos clásicos, series B en su mayoría, que en su día dieron el empujón y asentaron las bases de este género que ya en sus orígenes sufría críticas y desacatos.

ULTIMATUM A LA TIERRA (The day of Earth stood still, 1951) de Robert Wise.

Robert Wise era, aparte de realizador de los más memorables musicales, un gran amante del género y así lo demostró con títulos como Star Trek: la película o La Amenaza de Andrómeda (adaptación de una novela de Michael Crichton), pero tiene esta joyita escondida en los años cincuenta. Una joyita que va a ver en breve un remake (¿por qué siempre termino hablando de remakes?) que para quien no la haya visto, tengo que decirle que merece mucho la pena. Entretenida y crítica con el momento histórico de la época pero al mismo tiempo, más actual que nunca. Les invito a descubrirla.

¿No han oído nunca eso de Klaatu Barada Nikto?

EL ENIGMA DE OTRO MUNDO (The Thing, 1951) de Christian Nyby

Este film, producido por Howard Hawks, es otro ejemplo de cómo con dos duros se podían montar grandes intrigas. Conoció un remake en los 80 de la mano de John Carpenter. Ambas versiones son muy buenas y al mismo tiempo, muy diferentes entre sí. Les recomiendo que vean primero la clásica, aun así creo que el remake no les va a decepcionar.

PLANETA PROHIBIDO (Forbidden Planet, 1956) de Fred M. Wilcox

Considerada por muchos la obra cumbre del género. Yo no podría estar más en desacuerdo. No creo ni mucho menos que sea una gran película. ¿Por qué la incluyo? Porque es la mamá y el papá de Robby the robot, el más famoso robot de la historia del cine. Atención al protagonista del film. ¿Le conocen?

LA INVASIÓN DE LOS LADRONES DE CUERPOS (Invasión of body snatchers, 1956) de Don Siegel

Ahora si que estamos, probablemente, ante la mejor de todas las películas que he nombrado en este post. Una impresionante historia que ha sido revisitada en tres ocasiones, la última de ellas de reciente estreno (Invasión, la de Nicole Kidman). No les voy a decir nada sobre la trama, accedan a ella. También les animo a que le den un vistazo a la versión de 1979, protagonizada por Donald Sutherland.

Faltan muchísimas más. Quizás siga informando sobre el tema, de momento creo que he reivindicado lo que más me apetecía reivindicar.

El cine que nos viene

2007-12-28T17:27:00.000+01:00

No se preocupen. Del mismo modo que no les he felicitado las navidades ni les desearé feliz año nuevo, hoy no les voy a tomar el pelo.

Cuando todo el mundo come turrones y bebe cava... yo también lo hago, pero además quisiera (en lugar de revisar el año como hacen todos), dar un vistazo a lo que nos viene. Y cuando digo dar un vistazo lo digo literalmente: vamos a ver trailers.

Dando una vuelta por la red y ojeando (o hojeando, nunca lo tengo claro) las diferentes revistas de cine, 2008 tiene propuestas suculentas.

Ya en enero llega la esperada "Los Crímenes de Oxford" de Álex de la Iglesia, que no dirige desde la polémica "Crimen ferpecto" (a mí me gustó...), aunque hizo la producción para televisión "La habitación del niño" (también me gustó...). Rodada en inglés y con un reparto encabezado por Elijah Wood, John Hurt y Leonor Watling, promete dosis de interesante intriga. Ya veremos.

También en enero tenemos dos bizarradas que parecen interesantes. Para los amantes de género nos queda una esperanza (remota, la verdad) de ver a Michael Myers (no confundir con Austin Powers) resurrecto (¡pero resurrecto de verdad!) en el film, mitad precuela, mitad remake, Halloween: el orígen, del pirado Rob Zombie. Para los que no lo sepan, Michael Myers es el psiópata con la careta blanca que dio el pistoletazo de salida al género slasher (dícese de la película con un grupo de gente, generalmente realizando actos sexuales, que van cayendo uno a uno a manos de un asesino psicópata) en la película Halloween de John Carpenter en el año 1977.

La otra locura es un drama musical que tiene pinta de pastelazo pero por el simple hecho de contener psicodelia y música de los Beatles, me parece algo, cuanto menos, curioso: Across the universe.

Y dejemos enero para viajar a lo largo y lo ancho del año 2008. Es un año de regresos porque...

...vuelve Batman. Después de que Christopher Nolan y Christian Bale nos hicieran olvidar Batman Forever y Batman y Robin (películas que no existen para cualquier amante de Batman) con su dignísima Batman Begins, vuelven a la carga con The Dark Knight, con el Joker (encarnado por el guaperas Heath Ledger) como enemigo. Pinta bien.

...vuelve Indiana Jones. La secuela más esperada de los últimos ¿20 años?. En todo este tiempo han aparecido antiheroes como el de Brendan Fraser en La Momia (y sus secuelas, que este año también estrenan entrega) o el de Nicolas Cage en La Búsqueda, pero ninguno a la altura de Harrison Ford y su Indi. Esperemos que esta vuelta del aventurero del látigo y el sombrero no se asemeje en NADA a la vuelta de los jedis con sables láser made in Lucas...

...vuelven Tim Burton y Johnny Depp con The Sweeney Tood, la adaptación de un homónimo espectáculo de Broadway. Tras el paréntesis tomado con Big Fish (sin contar la animación de La Novia Cadáver) actor y director se reencuentran en este musical donde podremos ver al famoso actor, Helena Bonham Carter y, atención, Sacha Baron Coen, cantando. Mi pregunta es... ¿nos la doblarán endosándonos a algún triunfito como estrella musical del film o respetarán la versión original? Si la doblan, ya les digo yo que no la veré en cines...

...vuelven los hermanos Coen. Y lo hacen con un Javier Bardem que huele a Oscar. Interpreta a un asesino en No Country for old men. Los Coen nos dan una de cal y una de arena. Personalmente les prefiero cuando se ponen serios o cuando se ponen negros (no me refiero a que se pinten la cara, sino a cuando hacen títulos como Sangre Fácil o Fargo). Esta parece de las mías...

...y vuelve Woody Allen (bueno, este vuelve todos los años), vuelve Harry Potter, vuelve James Bond, vuelve Shyamalan (el del Sexto Sentido, de toda la vida), vuelve Almodóvar, vuelve Amenabar, vuelven los malditos remakes...

Y lo mejor de todo seguro que está por llegar. Piensen en las películas que más les han sorprendido este año y recuerden este mismo repaso que hacen algunas revistas y algunas webs hace justo un año. ¿Estaban en esas listas? Las joyas siempre están escondidas, como en todas las casas...

¡Maldita televisión!

2007-12-17T19:24:00.000+01:00

Hoy ha sido un día normal. He hecho el vago, como casi siempre, he currado poco pero cuidando las formas (para que aparente que he hecho mucho más de lo que realmente he hecho) y finalmente he decidido perder el tiempo ante la red de redes. Todo iba bien hasta que se me ha ocurrido consultar la programación de televisión para esta noche.

Uno se indgina al observar que Televisión Española (la que pagamos tu, yo y todos excepto el rey) programa un lunes más y por enésima temporada el dichoso programita de los bailes (Mira quien baila) donde unos estupidos famosillos, que suelen ser más famosos por lo estúpido que por sus aptitudes (aptitudes en general, no especifico), se marcan unos intentos de bailoteo que solo sirven para que se embolsen una pasta por unos minutitos de espectáculo (?). Acto seguido programan algo llamado "Crímenes que conmocionaron el mundo". No se qué es, pero miedo me da.

La 2, sigue con su programación "cultural y/o alternativa" (observen que lo pongo entre comillas)y emite una película francesa que huele a gafapastismo por todos los lados. No quiero decir que sea mala, es más, puede que sea lo que más me interesa pero, seamos claros: ¿a cuánta gente le puede interesar eso? Algunos diran que tiene que haber para todos los gustos, pero fíjense la oferta de nuestra televisión pública: o peli para ver con chaqueta de pana o show para viejitas de manta y brasero.

Vayamos a Antena 3. La familia Mata. Apetitosa teleserie, en la línea de los últimos intentos de hacer reir mediante guiones infames escritos por un grupo de guionistas que resuelven la acción tal y como se les va pasando por la cabeza. Ésta gente debe trabajar sobre la marcha y entre café (de máquina) y siesta. Empiezo a saber lo que quiero ser de mayor. Así nos van las cosas. Por cierto, ¿dije apetitosa al principio? Quería decir apestosa. A continuación se suma al sensacionalismo de la Primera y nos machacan con Impacto Total. Algo novedoso y que no se ha hecho nunca (Oh!). Como si no hubiésemos visto ya mil veces al niño de turno(antes eran chinos, ahora ya vale todo) dándose la hostia de su vida mientras el hijo de puta de su padre no deja de filmar o, últimamente que se han vuelto más macabros, alguna persecución yanqui culminada con una muerte cuanto más sangrienta mejor.

Cuatro. Por fin aparece una televisión un tanto decente. Nos meten en cucharilla El Hormiguero todas las noches, donde Pablo Motos y su panda de freaks intentan mantener la frescura de su programa de radio y lo consiguen a ratos. Aun así es un programa divertido, ameno y de escasa duración que entra muy bien junto a una buena cena. A continuación, cine. Dentro del ciclo de Martin Night Shyamalan, director querido y odiado, le llega el turno a El Bosque. Buena peliculita, a mi me gustó (pese a que muchos dijesen que es una basura). Más tarde, Noche Hache. Otro late-night que pide una renovación a gritos. Sus chistes siguen gustando pero empiezan a cansar.

Telecinco. Escenas de Matrimonio. Esto merece una entrada del blog a parte (y lo haré, no lo duden). Lamentable espectáculo televisivo donde tres parejas de distintas edades intentan darse puñaladas mediante un humor zafio y chabacano. Alguien los ha denunciado por machistas y les diré que me parece vergonzoso que pase esto a día de hoy, pero si eso sirve para que la borren de la parrilla, firmaré donde haga falta. Y después, CSI Miami, Nueva York y Las Vegas. Las tres. Qué originales...

La sexta. Lo de esta gente empieza a ser desesperante. Tienen programas muy buenos pero tienen otros malísimos. Demasiado irregular. Esta noche nos programan Kickboxer o lo que es lo mismo, el señor Van Damme dando patadas a diestro y siniestro. ¿Cómo puede ser ésta la televisión de Se lo que hicisteis..., o Padre de Familia, Futurama y otras muy bien elegidas propuestas? A la hora de programar cine aun les falta para llegar al aprobado. Creo que incluso Localia programa cosas más decentes...

Creo que por hoy tengo bastante. Me iré a dormir pronto o quizás me ponga a escribir sobre la televisión de mañana (que hacen Gominolas, puede ser suculento). He encontrado divertido escribir esto, más divertido que sentarse ante la caja tonta y dejarse llevar por sus maravillosas ondas.

Cuando el significado de la palabra terror es el verdadero

2007-12-07T14:10:00.000+01:00

El otro día me acerqué al cine a ver REC, la última gamberrada de Jaume Balagueró y Paco Plaza. Y digo gamberrada porque aunque tengan películas anteriores muy serias, esta rompe con su esquema habitual. Me aventuro a decir, pese que me puedan caer palos, que REC es, sin lugar a dudas, su obra maestra.

El tándem Balagueró-Plaza

Desde que empecé a aficionarme al cine, el cine de género ha ido acompañándome y viéndome crecer. Tanto películas de terror, como de ciencia ficción o cualquiera de sus subgéneros, han marcado mi forma de ver el cine (y ver el mundo). El otro día, di un pasito más en este camino y fue gracias a REC.

Que conste que fui de los detractores de La Bruja de Blair, pienso que consigue un buen clima, pero solo a ratos. Me pareció más tomadura de pelo que otra cosa. En cambio, REC, tiene una atmósfera acojonante y sustos de los que te hacen saltar de la butaca y dar un pequeño grito, que a continuación intentas disimular cuando el que tienes a tu lado te mira con media sonrisa. ¿Por qué nombro a la Bruja de Blair? Las comparaciones son odiosas, pero REC vuelve a la fórmula que en su día "inventaron" para Holocausto Caníbal y que años más se explotó con la susodicha bruja, pero tiene algo que la sitúa por encima de sus predecesoras.

No crean que van a ver un film en el que vayan a estar asustados durante todo su metraje (por cierto, un acierto su escasez de duración, alargarla más hubiese sido cagar el producto) pero si que se van a asfixiar y como dijo por ahí algún crítico "llegarán exhaustos al final". Un final, por cierto, que para un servidor le parece lo más fuera de lugar de la peli(no se preocupen, que no lo contaré).

Durante todo el metraje, el realismo está presente y a los que hemos llevado una cámara al cuello alguna vez, nos provoca más terror aun si cabe. Por favor, todos aquellos que crean, piensen o tengan miedo de que la peli sea "dogma de terror", que no sufran. Nada más alejado del universo del sr. Lars von Trier (dios nos salve).

Además, si algo demuestra REC, es que el cine de género español está en alza (siempre se han hecho cosas decentes pero eso ya lo discutiremos otro día). Un buen ejemplo es echar un vistazo a nuestro alrededor y ver que existen "otros", "faunos", "orfanatos" y otras decentísimas películas que esperemos lleguen a buen puerto y que, sin duda, han abierto un grifo que esperemos tarde en cerrarse (¡o no lo haga nunca!). Además, desde aquí quiero apoyar al sr. Vigalondo que con sus Cronocrímenes a punto de triunfar en EEUU, en España nadie quiere que veamos su película. Nadie es profeta en su tierra, dicen, pero mientras alguien confíe en las ideas de este grupo de gente jóven, a todos nos quedará un poquito de esperanza. A ver cuando en casa se dan cuenta de lo que tenemos.

Cineculpable 2007

2007-11-26T20:09:00.000+01:00

Llegó el festival (y a día de hoy ya hace unos cuantos días que se acabó) y con él el esperado estreno. Nos dieron la oportunidad de dar el pistoletazo de salida y allí estuvimos, con nuestro discreto trabajo y recibiendo buenas críticas, algo que nos animó mucho. Si bien, el cortometraje (documental) no podía ser jamás una obra maestra, pero tampoco podía ser nunca un verdadero desastre, así que todos los comentarios rondaban sobre lo mismo "el mensaje y la estética son muy bonitos". Bien, prueba superada. Nos damos por satisfechos (y más aun después del sprint que supuso la producción.

Durante el resto de la semana, no pude estar así que no puedo decir mucho. En general, muchos coinciden: nivel elevado y grandes trabajos. La entrega de premios, también me es bastante desconocida aunque aprovecho para felicitar desde aquí al compañero Álvaro Beltrán, sobre el que sí que se que se llevó tres premios. También mi enhorabuena a todos y cada uno de los paisanos provinciales que tras mucho esfuerzo (y poco dinero) sacaron unos trabajos más que dignos.

Otro año más (u otro año menos, depende de como se mire) y ahora, a seguir, que la mar ja sona i sonarà.

Gracias a todos los que vinisteis a apoyar el acto y a todos los que no pudisteis, también, por estar ahí.

Per anar obrint boca...

2007-11-16T14:46:00.001+01:00

ESTRENA - Brankal: Sona la mar

2007-11-13T12:35:00.000+01:00

És un plaer per a mi, un any mes, tornar a anunciar-vos l'estrena d'un treball audiovisual nou: BRANKAL: SONA LA MAR.

És possible que molts de vosaltres ni tan sols estiguereu al corrent del fet i pensàreu que enguany no presentava curtmetratge, però... al final tots acabem decantant-nos del costat de la balança que més pesa: tindre un festival de curts a la teua ciutat i que et donen l'oportunitat d'estrenar els teus treballs és un caramelet massa dolç com per a no acceptar-lo.

Enguany no és un treball com el dels anys anteriors. Sí, és cert que fins ara sempre he dit el mateix, però aquesta vegada és amb més motius. El treball que presentem és un documental musical, en torn a un grup de música del Grau de Castelló: Brankal. I què és un documental musical? De què va? Doncs realment no ho tenim clar ni la mateixa gent que hem treballat en la seua producció. Vam ser un grup de gent que ens vam aventurar a seguir a un grup de música, captant la seua realitat i la seua quotidianitat, la seua forma de veure la música i la vida en general. I ixe ha sigut el resultat final, un documental que convina la música d'un grup i la seua forma de fer-la i la visió del món d'un músic arraigat a les nostres terres mediterrànies. Ells son els vertaders protagonistes del film i sense els quals no haguera estat possible res: Manolo Brancal, Michel Llorens, Celso Sorribes, Natxo Navarro i Vicent Gallardo.

Per raons de temps i altres imprevistos, el curtmetratge no va estar acabat per a la data final d'entrega de treballs, així que no entrem a concurs i el passe serà només a mode d'exhibició, encara que l'organització ens ha donat el privilegi de ser el treball que inaugure una setmana carregada d'actes i projeccions més que interessants. Tot un honor.

El passe serà el proper dilluns dia 19 a partir de les 22h a l'Auditori Municipal de Vila-real, dins de la jornada que alberga els curtmetratges provincials, on segur que n'hi han altres treballs molt interessants. L'entrada és lliure, però us recomane que vingueu un poc abans perquè, per experiència d'altres anys, s'ompli bastant de gent.

Moltes gràcies a tots i a totes.

Us espere.

Sergio

SINOPSI: La proximitat amb la mar, el clima, el bon menjar o la barreja de les diferents cultures que han passat per les terres mediterrànies no tan sols donen lloc a una filosofia de vida característica sinò que també doten d’una inspiració especial a la creació musical

Manolo Brancal – composició i guitarres

Michel Llorens – acordió i piano

Celso Sorribes – saxofons

Natxo Navarro – contrabaix i baix elèctric

Vicent Gallardo – bateria

Guió i direcció
Sergio Tellols

Producció
Manolo Brancal
Sergio Tellols

Producció executiva
Paco Canales

Ajudants de Producció
Ángela Ortega
Rubén D. Soto

Fotografia
David Mataix

Foto fixa
Ángela Ortega

Operari de càmera
David Mataix

Operaris auxiliars
Rubén D. Soto
Sergio Tellols

Muntatge
Sergio Tellols

Postproducció
Rubén D. Soto

So
Manolo Brancal

Música
Brankal

Realització
Ángela Ortega
David Mataix
Sergio Tellols
Rubén D. Soto

Divirtiéndonos con cosas que no son divertidas

2007-10-26T15:15:00.000+02:00

Funny Games es el título de una de las películas más exitosas del realizador austriaco Michael Haneke. Gran desconocida por el gran público y adorada y vapuleada a partes iguales por críticos, cinéfilos y espectadores en general.

En la humilde opinión de un servidor, Funny Games es una pequeña joyita del cine europeo. Si bien la conocía desde hacía ya unos años (desde que el cine empezó a convertirse es una parte importante de mi vida) todavía no había caído en mis manos una copia de esta película. Ayer, por fin, tuve la oportunidad de verla.

Guste o no guste es, sin dudas, una película que no deja indiferente. Macabra, despiadada y sin escrúpulos. Con grandes cargas de violencia insinuada, la que no se ve, la que más duele, la que te hace exclamar algún vocablo ininteligible ante el visionado de la escena. Y aun así, imprescindible. Siempre he pensado que una película que gusta y disgusta tan extremadamente a partes iguales es, cuanto menos, interesante.

Haneke resuelve, además, de manera inteligente el thriller, apelando constantemente (¡y literalmente!) al espectador en escenas que rozan lo absurdo (cuando lleguen a la escena del mando a distancia, me entenderán) y que le hacen partícipe de una situación en la que no quiere estar, de la que no puede escapar y de la cual le llega a hacer responsable, culpable, sobretodo en los últimos minutos de metraje. Nada chirría en el film, ni siquiera ese plano secuencia general de más de cinco minutos (o quizás diez) que no hace otra cosa que aumentar la tensión.

Les aseguro que al terminar el visionado del film no podrán hacer otra cosa que quedarse pegados a su butaca, cagándose en la puta madre del realizador, da igual que sea por asco o por admiración porque eso será algo que descubrirán a la mañana siguiente, cuando digieran el film y les de tiempo de reflexionar sobre lo que acaban de ver (o hacer).

Apresúrense a verla, antes de que los yanquis nos estrenen su remake (¡malditos remakes, están en todas partes!), con Naomi Watts y Tim Roth a la cabeza, dirigidos por el propio Haneke, que se “remakea” a sí mismo.

Todavía me pregunto cómo se puede hacer una versión norteamericana de esta película…

Las Huellas

2007-10-11T13:13:00.000+02:00

En un día como hoy supongo que sería lógico hablar del estreno de El Orfanato, nuestra representante de cara a los Oscar, pero hasta que no la vea (y espero no tardar) no quiero pronunciarme sobre ella.

En cambio quiero hablar, desde la distancia, de otro estreno que va a pasar más desapercibido que El Orfanato pero sin embargo está ahí y puede que a alguien le llame la atención. Como ya se habrá podido adivinar por el título del post me refiero a La Huella, dirigida por Kenneth Branagh y protagonizada por Michael Caine y Jude Law.

Póster de La Huella (2007)

Para los que lo sepan (y para los que lo sepan, recordárselo) se trata de una nueva versión de La Huella, texto teatral del dramaturgo Anthony Shaffer que allá por los setenta tuvo una excelente versión cinematográfica dirigida por Joseph L. Mankiewicz con Laurence Olivier y Michael Caine (sí, otra vez) como duo protagonista.

Mi relación personal con La Huella nace hace ya algunos años, cuando por casualidad doy con un viejo VHS en la biblioteca muncipal de mi ciudad y me llama la atención su duo actoral y su misteriosa sinopsis. Me costó bastante animarme a verla pero cuando la vi, decidí inmediatamente (y automáticamente) incluirla entre mis películas favoritas. Pese saber que era una adaptación teatral, aprendí que el teatro puede llevarse al cine de manera magistral sin caer en aquello del "teatro filmado" (sin desmerecer el término, recordemos capítulos de Estudio 1 excelentes) y que estaba contemplando uno de los mejores duelos actorales jamás vistos en pantalla (recordemos que ambos fueron nominados a los Oscar ese año).

Póster de La Huella (1972)

Durante mucho tiempo la he recomendado a diestro y siniestro y solo unos pocos se han atrevido a seguir mis indicaciones y es que a día de hoy, cuando una imagen suele valer más que mil palabras, su portada deja mucho que desear en cuanto a atracción se refiere. Mucha gente desconoce tal obra maestra y me duele que ahora muchos se mueran por ver la última de Jude Law (un buen actor, no lo discuto) sin saber que existe una versión anterior que dudo mucho que este remake (aunque ellos se nieguen a llamarle así) supere.

No voy a hablar más de ella sin verla, esto solo era una reivindicación. Esperemos que el Sr. Branagh tras las cámaras (mucho mejor actor que director, para mi gusto), el Sr. Caine (de nuevo en la Huella, aunque con otro papel), el Sr. Law (promete, pero le queda mucho que aprender de su paternaire en el film) y un premio nobel de literatura escribiendo el guión (Harold Pinter), saquen cuanto menos un producto digno.

Laurence Olivier y Michael Caine en la versión original de La Huella

Aun así, recomiendo al lector que antes de acercarse a los cines intente hacerse con este clásico del cine, muy fácil de encontrar en DVD y luego, si quieren, ya hablaremos.

Esto puede demostrar una vez más la falta de creatividad de la industria cinematográfica, que acude cada día más a los grandes textos de la historia del cine. Sin embargo, en una sociedad que por desgracia sufre de incultura respecto al séptimo arte (y en otros aspectos en los que no voy a entrar), surte efecto: seguro que más de uno sale diciendo que acaba de ver una obra maestra (a no ser que sea un truño colosal), tal y como se ha dicho acerca de muchos remakes yanquis de los últimos años.

Michael Caine y Jude Law en la nueva versión de La Huella

Y pasarán los años y seguirán sin saber que existe una versión anterior de la película...

De viajes en el tiempo, secretos inconfesables y trabajos a medio hacer

2007-10-09T20:49:00.000+02:00

Antes que nada quiero pedir disculpas a los escasos lectores del blog por mis constantes cambios de lengua (ara valencià, ahora castellano...). Hoy, por razones obvias, voy a hacerlo en castellano.

Hace unas semanas, en uno de tantos viajes a traves de la red de redes me topé, casi por casualidad, con una página web que anunciaba a bombo y platillo un cortometraje titulado "La Habitación Contigua". Era la página web de Déjà Vu films, un grupo de gente de Madrid, con inquietudes cinematográficas que se dedican a la realización de cortometrajes. Me llamó la antención el nombre de uno de los directores del film: Daniel Romero. Enseguida supe que era el mismo Daniel Romero al que conocí en los años mozos del foro de cinefantastico.com y no dudé en contactar con él de nuevo.

A los pocos días recibía en mi domicilio un paquete que incluía el corto ya nombrado junto a sus anteriores trabajos: Una puerta cerrada e Inacabado. Sin entretenerme, inserté el disco en el DVD y vi los tres cortometrajes, uno tras otro.

Viéndolos cronológicamente, lo primero que se aprecia es una clara madurez en cuanto a resultado final se refiere, sobretodo a nivel técnico. Si Inacabado es un buen trabajo, Una puerta cerrada lo mejora y La Habitación Contigua, supera a los anteriores. Están muy cuidadas las labores de dirección artística, diseño de producción o fotografía, que tanto se tiende a descuidar en muchos de los cortometrajes actuales (más aun, los que se hacen con presupuestos bajos, como es el caso). Además su acabado en postproducción, hacen un producto redondo a nivel visual. Es, sin duda, un excelente trabajo en equipo.

El Equipo de Déjà Vu en acción

No voy a revelar nada de las historias que nos cuentan pero si decir que las tres destacan por su sencillez y sobriedad. Dicen lo que quieren decir sin rodeos, sin paja de por medio que pueda despistar o desmerecer el argumento. Puestos a elegir, creo que el guión más acertado es el de Una puerta cerrada, por su estructura y su gancho que te atrapa desde el principio. Y por poner alguna pega, creo que en La habitación Contigua, su excelente ambientación nos llega a despistar de una historia que merece una atención especial. Cabe añadir que en estos dos últimos trabajos, se notan las influencias del gran Philip K. Dick, que no me sorprendió ver como se le daba las gracias en los títulos de crédito de uno de los dos cortos (ahora no recuerdo cuál).

Pero si una cosa aprecio de los tres cortometrajes de Déjà Vu, es que apuestan por el cine de género, en este caso el género fantástico. El panorama cortometrajístico español actual está infestado de cortometrajes cargados de crítica social, muchas veces sin fundamento. Es de agradecer encontrarse de vez en cuando, a modo de soplo de aire fresco, productos como estos, que no por meterse de lleno en terrenos fantásticos, tienen que dejar de lado el mensaje.

Raúl Garán y Daniel Romero, directores de La Habitación Contigua y Una puerta cerrada

En resumen: esperemos que esta gente sigan ofreciéndonos sus trabajos, hechos con más ganas que medios y con un muy buen gusto a la hora de ser llevados a la pantalla (sea grande o pequeña). Ánimo a Dani, Raúl y a todo el equipo. Seguid así.

Con la música a otra parte

2007-09-26T10:40:00.000+02:00

Huí presente dos videoclips. No em referisc a res relacionat amb el treball que estem fent amb Brankal (que continua en stand-by...) sino a dos videos en els que he participat activament d'una manera o altra.

Son molt diferents entre sí.

El primer va ser la meua primera experiència en el video musical, fa poc més d'un any, i va ser gràcies al grup de metal KILLUS i la seua cançó Rape Your Dreams. Després d'una llarga preproducció vam rodar en tan sols un dia i el resultat és més que digne.

El segon, un canvi radical en quant a estil musical. El protagonista, el cantahumor Riki López (popular per cantar un tema que es va convertir en amulet per a la selecció espanyola de bàsquet durant el mundial), que li va proposar al director Sergi González que dirigira un clip seu. Així que sota les instruccions de González ens vam posar mans en l'obra per tal de fer un video a l'altura del seu compositor. No se si ho hem aconseguit.

Com a dada curiosa, Riki López va encomanar varios videoclips per tota la geografia espanyola i en cap d'ells surt ell. En el proper disc, que surt a la venda promte, anirá un DVD de regal amb els videoclips.

Ens veiem.

Mr. TG

2007-09-18T20:49:00.000+02:00

Ho sent, soc un xaquetero. Em sent més cómode escrivint en valencià.

Continue donant vida a l'egocèntric món del meu blog, esta vegada intentant resumir les paraules i deixant que siguen les imatges les que parlen per sí mateixa.

Torna el curs i torna la rutina. Tornem a Gandia, al Grau, a la Universitat. I com no podia ser d'una altra manera, torna la nostra secció per al programa de televisió Telegrafies (Gandia TV, UPV TV) amb el nostre personatge, Mr . TG.

Concretament, el dijous ens tornarem a juntar Rubén Soto, Nacho Ruipérez i un servidor, amb el gran actor que dona vida al personatge, Josep Arnau, per obrir la nova temporada i continuar donant guerra amb els nostres àcids i políticament incorrectes reportatge.

Us deiexe amb uns capítols de la temporada passada per a que l'aneu coneixent o per anar obrint boca.

Ens anirem veient

Brankal

2007-09-11T21:39:00.000+02:00

Supongo que he incumplido el primer mandamiento del cuaderno de rodaje y debería haber escrito el día a día, pero no lo hice, así que intentaré resumirlo todo en una entrada.

Nuestra actual producción, todavía sin título, gira en torno al grupo de jazz-folk (con distintas influencias más, como el flamenco, la bossa-nova o la música celta) Brankal.

La idea surge dentro del mismo grupo, cuando nos sugieren hacer un reportaje que les pueda servir como carta de presentación allá donde vayan. Nuestra contraoferta (por llamarle de alguna forma) fue ampliar el proyecto de reportaje a documental-musical, como aquellos que tanto proliferaron en los años 70. A ellos les pareció bien y nosotros no sabíamos donde nos metíamos.

Tras empaparnos de varios ejemplos, como el Live at Pompeii de Pink Floyd o el más reciente No direction home, de Bob Dylan, dirigido por el gran Scorsese, nos lanzamos al ruedo con algo que era nuevo para todos (¡salvando las distancias, claro está!).

En tres días intesísimos grabamos la columna vertebral del proyecto que a día de hoy seguimos sin saber su duración, aunque presumiblemente haremos dos versiones, una de veinte minutos que pueda rodar por festivales de cortometrajes y otra más larga, para ocasiones especiales.

Sólo queda un dia de grabación y muchísimos más de montaje. Tenemos 10 horas de material a las que no sabemos muy bien como atacarles.

Cabe decir que esto no hubiese sido nada sin los verdaderos protagonistas, Manolo Brancal (composición y guitarras), Celso Sorribes (saxos), Michel Llorens (piano y acordeón), Natxo Navarro (bajo eléctrico y contrabajo) y Vicent Gallardo (percusión).

Seguiremos informando (o no).

Guión y dirección: Sergio Tellols

Ayudante de dirección: Rubén D. Soto

Producción: Sergio Tellols - Celso Sorribes

Operador de cámara

y fotografía: David Mataix

Segundo Operador: Rubén D. Soto

Foto fija: Ángela Ortega

Sonido: Celso Sorribes

Técnicos: Celso Sorribes – Manolo Brancal

Montaje: Rubén D. Soto

Entrevistador: Sergio Tellols

Auxiliar de producción: Ángela Ortega - Rubén D. Soto

Diseño de producción: Ángela Ortega – Ruben D. Soto – Sergio Tellols - David Mataix

Agradecimientos: Teve 4 S.L. , Regidoria de Cultura de Vila-real, Carlos y Juan, técnicos del Auditorio Municipal de Vila-real, etc.

Larga vida al Blog

2007-08-20T00:50:00.000+02:00

Meses después de la creación de este blog, me lanzo por fín a escribir la primera entrada. No se a que se debe tanta tardanza aunque supongo que mi holgazanería crónica tiene mucho que ver en el asunto. O quizás es algo semejante a esa mala costumbre (que por desgracia también tengo) de llegar tarde a los sitios, aunque luego siempre me justifique igual: yo no llego tarde a los sitios, solo creo expectativas.

Supongo que el navegante del blog, que en la mayoría de las ocasiones será algún amigo o conocido mío, estará pensando: per què escrius en castellà?. Pero quizás se ha equivocado alguien de fuera y ha llegado hasta aquí. Ese es uno de los motivos por los que escribo en castellano.

Un cuaderno de rodaje es la libreta en la que alguien (ya sea director, productor, actor, técnico...) de cualquier producción, anota su día a día, detalles, incidencias, marcha del proyecto, mezclado con su visión personal a modo de diario. Algo similar al cuaderno de bitácora de un marinero.

Aquí pretendo (uy, que mal empezamos, con pretensiones) convertir el blog en un cuaderno de rodaje que a veces se comportará como tal, debido a mis estudios y trabajos, y en otras, tan solo será el cuaderno de rodaje de una película cualquiera, como la de cada uno de los blogs que viven por internet. Pero como toda película, quizás tenga una parte de literaria...